Baúl del Castillo

Noticias: Próximamente en BdC

2012-01-31T23:30:00.004+01:00

Catedral de Granada, fotografía de LJ

Enero ha transcurrido, tal y como avisamos, sin el número de entradas que hubiéramos querido publicar. No obstante, en el último tercio del mes hemos conseguido publicar más de lo que pensábamos. Nos hemos quedado, contando este resumen, a dos entradas menos que nuestros meses menos activos. Esperamos solventar esta falta de actividad en las próximas semanas, aunque debéis tener en cuenta que estamos en una época de exámenes universitarios que nos afectan.

Tras la euforia de Navidad, continuamos aumentando en visitas, alcanzando las 16.000 en este mes y superando en 6.000 al mes de diciembre. Alcanzamos el 18 de enero las 30.000 visitas y ya estamos cerca de los 40.000. Además, ha aumentado el número de seguidores tanto en el blog como en nuestro Twitter en una media de nueve personas: de 57 a 66 aquí y de 83 a 92 en la red social. Sin embargo, el número de comentarios se ha vuelto a reducir junto al número de entradas, observaremos la evolución con el paso del tiempo.

Sobre las entradas de este mes, ha sido variada y hechas, sobre todo, por MB, a quien agradezco todo el esfuerzo y empeño que pone por este proyecto cultural. Hemos tenido una entrada sobre cada tema, desde el cine, con Love Actually, hasta la biografía de Facebook. También hemos podido recuperar los clásicos literarios con la Égloga III de Garcilaso de la Vega y gracias a LJ, servidor.

No hemos realizado cambios importantes en el blog y sólo hemos añadido un sistema para registrar a los visitantes recientes que pertenezcan a nuestros seguidores. También tenemos pendiente subir a otra plataforma de descarga la revista Equis'de, debido al cierre de Megaupload, al que como creadores de materiales nos oponemos. También debemos agradecer los nuevos afiliados que han confiado en nosotros: A la sombra del cuento, Entre estanterías, Fantasía literaria juvenil y Mundo Paralelo.

Para febrero intentaremos publicar más entradas, siguiendo con los clásicos literarios, con las noticias que veamos interesantes y analizando más espectáculos. Además, posiblemente añadamos algunas cosas nuevas y realizaremos cambios de los que iremos informando. Estad atentos ;)

Concluyo este repaso de enero con buenas expectativas de futuro, y es que haber entrado en la segunda década no cambia de un día para otro, pero da qué pensar.

Un saludo,
L.J.

PD: Os dejo con una de las canciones del disco Diciembre de Leiva, ante la insistencia de MB

"Los espejos se emplean para verse la cara; el arte para verse el alma"

-George Bernard Shaw

Pereza, un paréntesis en el rock español

2012-01-31T16:11:00.000+01:00

Uno de los grupos con más repercusión del panorama pop-rock nacional durante la última década, Pereza, anunciaba el pasado año una pausa creativa en su carrera discográfica. Al mismo tiempo, sus dos miembros, Rubén y Leiva, confirmaban su decisión de grabar sendos trabajos en solitario, unos discos que ya casi son una realidad. Así, José Miguel Conejo Leiva, lanza el próximo 21 de febrero su disco Diciembre, mientras que Rubén Pozo lo publicará el próximo mes de marzo.

En 1998, Rubén y Leiva se unieron con la sana intención de hacer versiones de Leño, grupo creado, entre otros, por Rosendo. El trío se completaba entonces con el batería Tuli. A cuenta de curtirse el cuero en el circuito de garitos de Madrid, fueron naciendo los primeros temas propios, que evidenciaban una deuda clara con los glamurosos setenta, encabezados por Marc Bolan y los Stones, sin olvidar referencias autóctonas como Burning y Tequila, asimilados todos ellos en una vena claramente pop. Un cazatalentos de la discográfica RCA los vio en directo y de inmediato depositó en ellos su confianza, atisbando un enorme filón comercial y una atrayente y sólida imagen, aunque aún hubiese cosas que pulir. La banda ficha para la multinacional y edita su primer disco homónimo: Pereza (2001). El trabajo aún evidencia su juventud e inexperiencia, pero lo suficientemente firme como para dar un centenar de conciertos y creerse a sí mismos un poco más. También aportan valiosos granitos de arena en diferentes recopilatorios, como en el caso del homenaje a Hombres G, en el que atacan con Voy a pasármelo bien, canción que terminaría dando título al álbum tributo.

Para el segundo disco, Algo para cantar (2003), Pereza se reduce a dúo y la formación en directo se completa con Leiva (batería, bajo, guitarra y voz) y Rubén (guitarra y voz), lo que constituirá un equipo ideal y necesario para consolidar repertorio y maneras sobre un escenario. El disco supone un inmejorable impulso para sus aspiraciones, situándolos en una inmejorable posición de salida para su deseada carrera, del que destaca el single Si quieres bailamos. Las composiciones crecieron y mantienen un fino equilibrio entre la chulería irreverente, la melodía y la querencia eterna, agradable para todos los públicos. En las presentaciones se dejan la piel y los huesos, sumando a sus espaldas otros doscientos conciertos por la geografía española. Entre otros telonean al mismísimo Bon Jovi, y en la carretera van haciendo migas con otros compañeros de generación como Deluxe, Sidonie, Amaral o Los Piratas. La prensa comienza a hablar muy seriamente de ellos como los nuevos Tequila o los nuevos Ronaldos. Además, grabarían poco después el videoclip de Yo pienso en aquella tarde con la colaboración de David Summers y Dani Martín, vocalistas de Hombres G y El Canto del Loco, respectivamente, que supuso otro gran despegue para su corta trayectoria.

El salto cualitativo llega con Animales (2005), trabajo producido por Nigel Walker, que acierta en la diana de lo deseado por el grupo y les convierte en la nueva promesa del rock cool en castellano. Así suenan poderosamente eléctricos sin dejar de enamorar, sin perder un ápice de su personalidad de gamberros y conquistadores. El single Princesas, al que seguiría el también exitoso Todo, los sitúa en el mapa de los triunfadores del pop-rock de nuestro país. Su siguiente disco, que comienza siendo una mera diversión entre amigos, termina convirtiéndose en una enorme jugada comercial. Los amigos de los animales (2006) es un encuentro donde Rubén y Leiva llaman a otros compañeros para que canten en algunos de los temas aparecidos en sus tres primeros discos. Por un lado están los colegas de generación: Amaral, Pastora, Deluxe, Sidonie, Iván Ferreiro y Quique González, y por otro lado, apelando a su corazón de fans, recurren a sus admirados mayores: Enrique Bunbury, Carlos Tarque, Burning, Christina Rosenvinge, Coque Malla, Kevin Johansen y Ariel Rot; sin olvidar la aportación flamenquita de Los Delinqüentes, Alba Molina y Niño Josele, ya que Leiva es un gran amante del flamenco.

Aproximaciones (2007) supone un crecimiento como compositores y como grupo de rock. Ya nadie les compara con otros que no sean ellos mismos, y se constata el triunfo de sus letras sencillas, sus desamores y sus melodías impagables. Los singles de este álbum fueron Aproximación, Estrella polar, Tristeza, Por mi tripa y Margot. Este último, Margot, fue un tema muy polémico, ya que en su videoclip aparece una mujer masturbándose sobre una cama durante los tres minutos que dura la canción. Su director, Cristian Titán, afirmó que en este país se podían ver vídeos de muertos o de guerras pero que se escandalizaba por algo tan natural como la masturbación.

Su último álbum conjunto hasta la fecha, Aviones, salió a la venta en agosto de 2009, entrando directo al número 1 en las listas de ventas, siendo su primer single Violento amor. Se trata del disco con aires más acústicos y un ritmo más suave. En él encontramos dos colaboraciones de especial importancia: Andrés Calamaro en Amélie, y Ariel Rot en Llévame al baile.Durante ese mismo año, produjeron, pusieron música y realizaron los coros del primer single de Joaquín Sabina Tiramisú de limón, extraído de su nuevo disco Vinagre y rosas. El segundo single de Aviones sería Lady Madrid, y el tercero, Pirata. Con este disco inician la gira Puro Teatro Tour durante 2009 y 2010, centrada en teatros y auditorios para buscar una mayor intimidad con el público y mayor disfrute de canciones más acústicas que las de anteriores discos. Todo en un fuerte contraste con Aproximaciones, que cerró gira en una rebosante Plaza de Las Ventas de Madrid, ante más de 16.000 personas.

Tras el parón del grupo, ambos componentes inician por separado sus próximos proyectos. En el caso de Leiva, ya suena su nuevo single por toda la red, publicado el pasado 17 de enero en formato digital. Para aquellos que no puedan esperar al lanzamiento del álbum completo, desde su web oficial pueden reservar la Edición Especial en vinilo, del que sólo habrá 500 unidades disponibles. Eme ha sido el tema elegido para este primer álbum de estudio autoproducido por el madrileño. Se presenta como una canción de guitarras que vuelan alto y una voz que cala hondo. Así es el adelanto de Diciembre, un álbum que, según Leiva, es el más rock que ha grabado en su carrera. Pero no en el sentido de velocidad, sino en su sonido. Diciembre supone su debut en solitario fuera de Pereza, un paso más allá en la poética musicalidad del artista.


Leiva junto a su pareja, la actriz Michelle Jenner

Sin la compañía de Rubén Pozo a su derecha, Leiva no muestra síntomas de que su liderazgo se resienta. Y, aunque sea la pregunta que más le repiten, insiste en que la ruptura de Pereza no es tal. Aunque Rubén empiece de cero y los músicos integrantes de la banda original permanezcan en este álbum de Leiva, tal y como él mismo afirma, lo más importante es mantener su amistad firme, anteponiendo eso a cualquier disputa ante las decisiones que se deben tomar para crear un disco conjunto. De hecho, durante 2012 han confirmado el volver a hacer conciertos juntos; el primero será en junio, en el Palacio de Vistalegre de Madrid, al que esperemos que prosiga su regreso con un nuevo y un esperado álbum.

Además de su single de presentación, Eme, Leiva ha lanzado en su página web el vídeo viral de otro tema de su nuevo disco, Nunca nadie, un videoclip con aires positivos donde presenta a su banda de gira, un aperitivo de la ruta que emprenderá próximamente por nuestro país. Algunas de las fechas ya confirmadas son: 2 de marzo en Burgos, 9 en Sevilla, 10 en Málaga, 24 en Albacete, 12 de abril en Madrid, 27 en Alicante o 4 de mayo en Granada.

Otro de los proyectos en el que Leiva se encuentra inmenso es la versión de Dance me to te end of love, de Leonard Cohen, poeta y cantante canadiense consagrado recientemente en el mundo literario gracias al premio Príncipe de Asturias de las Letras, recibido el pasado año 2011. «Lo he hecho con respeto, atrevimiento y la máxima admiración, porque no soy un tipo que maneje bien el inglés. Es una letra cargada de aciertos con una poesía aplastante; una canción de amor impresionante», afirma Leiva para el diario El País, que hoy 31 de enero estrena el vídeo en su versión digital, coincidiendo con el lanzamiento de Old ideas, el nuevo disco de Leonard Cohen que también verá la luz el mismo día.

Sin duda, buenas noticias para el pop-rock español actual, ya que, con Pereza o sin ella, su música y sus letras van a seguir presentes en el panorama musical con más fuerza aún si cabe.

Un antes y un después (X): Facebook, la biografía de la red social

2012-01-30T16:30:00.000+01:00

Facebook cumple seis años. Actualmente, millones de usuarios de todo el mundo utilizan esta conocida red social. Creada originalmente para estudiantes de la Universidad de Harvard, poco a poco se ha ido abriendo hasta llegar a cualquier persona que únicamente tuviera una cuenta de correo electrónico. Los usuarios que en esta red podemos encontrar responden al perfil de ser participantes en una o más redes sociales, en relación con su situación académica, su lugar de trabajo o región geográfica. Su fundación, en septiembre de 2006, fue llevada a cabo por su creador, Mark Zuckerberg, junto a sus compañeros Eduardo Saverin, Chris Hughes y Dustin Moskovitz, todos ellos estudiantes en la Universidad de Harvard. A modo de biografía, el actual formato que presenta Facebook para sus usuarios, repasaremos la historia del éxito sin precedentes de esta red social.

En ese mismo año, en septiembre de 2006, Facebook comenzó a permitir que los estudiantes de universidades cercanas agregasen a estudiantes gracias a peticiones de los usuarios. Además, apareció por primera vez su Feed de noticias, al tiempo de crearse una toolbar para Firefox.

En enero de 2007, se inauguró la función de enviar mensajes a través del móvil, quedando disponibles las funcionalidades de clasificación de imágenes y la exportación hacia iPhoto. Un mes más tarde, Facebook llegó a tener la mayor cantidad de usuarios registrados en comparación con otros sitios web orientados a estudiantes de nivel superior, teniendo más de 19 millones de miembros en todo el mundo, debido a que originalmente sólo fue publicado en inglés. Tal fue el éxito que se procedió a modificar los perfiles, crear los mensajes privados y surgió la medida más importante para las empresas: aparecieron las páginas. En junio, quedó disponible Facebook Developers y comenzó a permitirse la subida de vídeos, así como la integración total con la telefonía móvil. En julio, Facebook llegó a la cifra de 30 millones de usuarios, creándose en el mes de noviembre las primeras páginas públicas de celebridades y grupos, además de inaugurarse la publicidad dirigida.

En enero del año 2008, Facebook lanzó su versión en francés, alemán y español para impulsar su expansión fuera de Estados Unidos, ya que sus usuarios de entonces se concentraban en Estados Unidos, Canadá y Gran Bretaña. Actualmente, la mayor cantidad de usuarios de Iberoamérica proviene de Colombia, superando a países con mayor población como México, Brasil y Argentina. En abril de ese mismo año se habilitaron el etiquetado en imágenes y el chat, en tanto que en julio se inauguró la aplicación oficial de Facebook para iPhone. En agosto, la red social alcanzó los 100 millones de usuarios, y en octubre comenzó a mostrar un cuadro de búsqueda de Microsoft Live Search, ahora modificado por Bing.

2009 fue uno de los grandes años para Facebook, ya que el 7 de enero alcanzó los 150 millones de usuarios. Aparecieron grandes novedades; en febrero apareció el botón Me gusta, en marzo se integró con Netflix y en abril llegó a los 200 millones de usuarios. En mayo, a modo de curiosidad, se extendió el límite de fotografías en un álbum, que pasó de 60 a 200. En junio, se habilitaron los nombres personalizados en la url, además de actualizarse los mensajes, organizándolos mejor y eliminando el spam del mismo. El mes de julio fue tan positivo como el anterior, alcanzándose los 250 millones de usuarios y permitiendo, como novedad, la subida de vídeos a través de e-mail. Al mes siguiente, se actualizaron los grupos, incluyendo un nuevo look y permitiendo que se mostrara su actividad en el Feed de los usuarios. Ese mismo mes, se permitió que las actualizaciones de otra poderosa red social, Twitter, se publicaran directamente en las páginas de fans de Facebook.

A comienzos de 2010, Facebook Móvil alcanzó los 100 millones de personas, creándose así nuevos cambios en la pantalla principal y orientándose los resultados de búsqueda para obtener datos mucho más precisos, mostrándonos aquellos que podrían ser de nuestro interés por las conexiones que en nuestro perfil tenemos. Así, podremos localizar amigos con quienes se perdió el contacto o agregar otros nuevos con quienes intercambiar fotos o mensajes. También, podremos usar las distintas aplicaciones y juegos que Facebook ofrece: juegos de rol o pruebas de habilidades (digitación, memoria), entre muchos otros. Entre los más célebres se encuentran los juegos de Playfish, como Pet Society y los juegos de Zynga Games, como FarmVille y CityVille. En junio apareció el botón de Me gusta en los comentarios. Además, en julio, la red alcanza la cifra de 500 millones de usuarios. En noviembre, a su vez, 200 millones de usuarios utilizan diariamente Facebook Móvil.

CityVille, uno de los juegos más populares en el universo Facebook

En 2011 comenzamos a ver los primeros grandes avances en la privacidad, con el agregado del protocolo https. También se modifican los grupos a tal y como los conocemos ahora. En julio se modifica el chat y pasa a ser como lo podemos observar en la actualidad, y, al mes siguiente, se aumenta la calidad de las imágenes que podemos subir, al tiempo que se mejoró el tiempo de carga de cada una de ellas. En el mes de septiembre es introducida la nueva interfaz de Facebook, la ya conocida biografía, una noticia que viajó por los principales diarios de todo el mundo. Sin embargo, somos testigos de que estamos aún lejos de haber llegado al final de su evolución.

Facebook Móvil, un gran avance para la difusión de la red social

Facebook ha recibido todo tipo de críticas desde que alcanzó difusión global. Especialmente, debido al alcance que está teniendo entre menores, sus efectos psicológicos y sus alarmantes políticas de privacidad. Después de su traducción a idiomas diferentes del inglés, Facebook no sólo ha crecido en usuarios, sino que ha transformado la forma en la que las personas utilizan Internet. En Chile, por ejemplo, se han realizado estudios respaldados por universidades que afirman que el 73% de los jóvenes chilenos de entre 18 y 29 años son usuarios de Facebook. En Venezuela según una prueba realizada por la Universidad de Carabobo un 60% de los jóvenes entre 13 y 21 años son usuarios de Facebook activos.

La influencia de este sitio web ha llegado a tal punto que ya es considerado entre los medios como una revolución social, sobre todo entre la juventud de a finales de los años 2000 por su innovadora forma de comunicarse a través de la Web.

Y este fenómeno ya ha disfrutado de su propia adaptación cinematográfica: La red social, de David Fincher. Estrenada el 1 de octubre de 2010, se basa en el libro Multimillonarios por accidente, de Ben Mezrich. La película se centra sobre todo en la evolución del inicio de Facebook y cómo afectó a sus fundadores. Sobre la película, Mark Zuckerberg declaró que no se sentía satisfecho porque no se ajustaba a la realidad.

Cabecera de la película La red social

Por otra parte, el aspecto más dramático de la expansión de Facebook quizás sea el fin de la privacidad, pues los usuarios proporcionan cada vez más datos personales relacionados con su vida. En 2011, se creó el proyecto Europe vs. Facebook, iniciado por el ciudadano austríaco Max Schrems, el cual había solicitado a Facebook información de su perfíl. En respuesta, la red social entregó un paquete con poco más de 1200 archivos en formato PDF, lo cual motivó la creación del website, a modo de protesta ante la cantidad de información privada que pueden tener de cualquier usuario.

Mark Zuckerberg presentando la nueva cronología de Facebook

2012 es el próximo reto de Facebook. Sin duda, sigue ocupando su lugar privilegiado en la esfera social de Internet como la red social por excelencia. Un nuevo año acaba de comenzar, un año que traerá consigo nuevos cambios, herramientas y recursos para sus usuarios. Superar el billón de usuarios se presenta como uno de los grandes retos e hitos de la red social para este 2012 que aún tenemos por delante.

Clásicos Inolvidables (VIII): Égloga III de Garcilaso de la Vega

2012-01-26T22:20:00.002+01:00

Garcilaso de la Vega ha sido el príncipe de los poetas de la literatura española por excelencia desde que su obra fuera publicada hasta nuestros días. Es, precisamente, el poeta que siempre ha gozado de un estatus de admiración en todas las épocas, sin llegar a pasar por ningún momento de oscuridad ni llegando a ser ignorado como otros grandes poetas ahora reconocidos. Pero además, se convirtió en el modelo fundamental del poeta soldado, figura que sería frecuente en el siglo XVI, y un perfecto cortesano, lo que lo diferencia de otros nobles guerreros que se dedicaban a la poesía.

Retrato de Garcilaso publicado en El Semanario Pintoresco Español, 1842

Nacido en Toledo aproximadamente en 1501, participó en varias campañas bélicas dentro del ejército imperial de Carlos V, llegando a ser desterrado por acudir a la boda de un sobrino comunero contrario al emperador, aunque es perdonado gracias a la ayuda del Duque de Alba, siendo trasladado a Nápoles. Este hecho es relevante para tener en cuenta la influencia de los poetas italianos antipetrarquistas en Garcilaso, entre ellos a Bernardo Tasso, inventor de la conocida estrofa lira. Fallecerá en 1536 tras esta breve etapa de madurez poética en Niza, durante una campaña de castigo al sur de Italia.

Debido a su repentina muerte, su producción literaria se reduce a unos cuantos poemas castellanos, una epístola, dos elegías, cinco canciones, cuarenta sonetos y tres églogas. Esta obra poética se incluye en una edición conjunta con las obras completas de su amigo Boscán después de la muerte de ambos poetas, en 1543. Debido al éxito de los poemas de Garcilaso, tendrá una edición en solitario en 1569. Y años después, el poeta sería tratado como un clásico más al tener ediciones comentadas por personas como Sánchez Brozas, conocido como el Brocense, y Fernando de Herrera; este último realiza un estudio profundo de las fuentes y realiza una crítica literaria donde llega a modificar poemas para mejorarlos, con éxito en ocasiones.

Toledo, ciudad de Garcilaso. Fotografía tomada de Imperio Romano

Garcilaso trata en sus poemas tres temas fundamentales: el amor, la naturaleza y la mitología. Estos temas son frecuentes en la poesía italianista desde Petrarca, el gran modelo del Renacimiento, aunque el poeta español introduce formas y elementos distintos a los que usaba el italiano, debido a la evolución que sufre también el pensamiento renacentista entre los poetas desde una primera época petrarquista. El tema de la mitología es tomado principalmente de los clásicos latinos como Virgilio y Ovidio, con un intento de mostrar estos relatos con objetividad, la cual rompe Garcilaso al añadir su presencia en el poema. Finalmente, debemos remarcar la influencia de Ausías March, el gran poeta de las letras catalanas, de quien llega a copiar o adaptar versos.

Sus sonetos son muy conocidos, aunque su mejor poema es la Égloga III, donde desarrolla todos sus temas frecuentes. El poema está estructurado en octavas reales, es decir, en estrofas de ocho versos endecasílabos con rima ABABABCC creada por Boccaccio e introducida a España por Garcilaso y su amigo Boscán. El desarrollo de la égloga sucede en un día en el que cuatro ninfas pasan la jornada cerca de Toledo, descrita de forma muy realista por Garcilaso. El poema es un écfrasis, es decir, habla sobre otro arte de forma detallada, en este caso se desarrollan las historias de los tapices que están preparando las ninfas, especialmente a través de las sensaciones que transmiten los colores, siendo el rojo representativo de la pasión y la violencia contra el verde de la naturaleza tranquila, por ejemplo. Estos relatos son historias trágicas de amor, las tres primeras pertenecen a la mitología clásica y han sido recurrentes en otras obras del autor, en este poema les dedica a cada una dos estrofas:

Orfeo y Eurídice (1796), de Camille Corot

Orfeo y Eurídice: esta historia de amor aparece en varios poemas de Garcilaso, debido en cierta forma a Orfeo, quien representa la perfección poética en la mitología y que supuso para el poeta español el referente con el que se comparaba, mostrándose en primer lugar inferior a él y después igualándose con este poema. Orfeo viaja al infierno en busca de Eurídice, su mujer, quien había fallecido. Logra llegar a ella gracias a su habilidad Este poeta viaja hasta el infierno en busca de su amada fallecida, la ninfa Eurídice. Superando los obstáculos del inframundo, fue el único que llegó a provocar las lágrimas de los tormentos y la pena de Hades y Perséfone, quienes permitieron que se marchara junto a Eurídice con la condición de que no volviera la vista atrás hasta que los rayos de sol bañaran a su esposa. Lamentablemente, justo en la salida del inframundo, Orfeo se giró antes de tiempo y Eurídice se desvaneció en el aire para la eternidad.

Apolo y Dafne: otra historia de amor que se repite en la poesía de Garcilaso y que podemos ver en el Soneto XIII. En este caso, Apolo, quien se había mostrado arrogante con Eros, recibe una flecha de amor que provoca que se enamore de la ninfa Dafne, quien recibió una flecha de plomo para que rechazara al dios que comienza a perseguirla. Asustada, la ninfa huye y pide ayuda a su padre, el río Peneo, quien decidió convertirla en laurel. Apolo, apenado por la transformación, llora y riega así el árbol en que se ha convertido su amada.

Venus y Adonis: esta historia, menos conocida, nos sitúa en una cacería donde Adonis es herido de muerte por un jabalí, lo que provoca el dolor de Venus, quien estaba prendada por el joven cazador.

Venus lamentando la muerte de Adonis, de Benjamin West

Nemoroso y Elisa: la última historia no pertenece a la mitología, sino a la Égloga I del propio poeta. Nemoroso es un pastor que sufre por la muerte de su amada Elisa; el pastor representa a Garcilaso y Elisa sería el nombre que usa para sustituir a Isabel Freyre, mujer de la que se enamoró para su pesar, pues se trataba de una relación imposible al estar casados con otras personas. Isabel había fallecido de parto, provocando también el dolor del poeta como el del pastor. Incluyendo esta historia al mismo nivel que las mitológicas, Garcilaso eleva su historia también, por lo que también se iguala a Orfeo. Esta última historia se desarrolla junto a una descripción del río Tajo y un epitafio dedicado a Elisa, donde también se nombra a otro amante de la ninfa.

Portada de una edición de 1622

Tras estas historias, comienza a oscurecer y las ninfas terminan sus tareas, cuando, escondidas, oyen el canto de dos pastores, Tirreno y Alcino, quienes realizan un canto amebeo, es decir, un debate pastoril sobre sus amadas, celebrando uno su amor y el otro su queja. Tras este canto, todos los personajes se retiran y el paisaje queda vacío, terminando así el día. Pictóricamente es novedoso, pues hasta el siglo XIX no se concebía el paisaje sin personajes. Y así culmina uno de los mejores poemas renacentistas de la literatura española.

En la hermosa tela se veían
entretejidas las silvestres diosas
salir de la espesura, y que venían
todas a la ribera presurosas,
en el semblante tristes, y traían
cestillos blancos de purpúreas rosas,
las cuales esparciendo derramaban
sobre una ninfa muerta, que lloraban,

Todas con el cabello desparcido
lloraban una ninfa delicada,
cuya vida mostraba que había sido
antes de tiempo y casi en flor cortada.
Cerca del agua en el lugar florido,
estaba entre las hierbas degollada,
cual queda el blanco cisne cuando pierde
la dulce vida entre la hierba verde.

Fragmento de la Égloga III, corresponde a la historia de Nemoroso y Elisa

La trascendencia de Garcilaso es clara en la literatura posterior y, como señalamos antes, nunca ha dejado de ser el príncipe de los poetas.

Noticias: Sorteo de El Beso del Escorpión

2012-01-23T18:39:00.002+01:00

Nuestro amigos de El Beso del Escorpión realizan un sorteo en Youtube tras sacar su nueva canción Nunca dejes de soñar en colaboración con jPelirrojo. Con este tema bajo un estilo más chill que el pop rock al que nos tienen habituados más el rap del vlogger jPelirrojo, al que os invitamos a visitar en su perfil de Youtube, comienza la cuenta atrás para el sorteo de 10 discos de Los días entre el sol y la luna, su primer álbum del que hablamos en una de nuestras entradas... ¡y completamente gratis! No pierdas la ocasión.

Para participar sólo tenéis que realizar los siguientes pasos:

1.- Síguelos en Twitter (@3BDE)
2.- Suscríbete a su canal de youtube
3.- Déjales un comentario en el vídeo Nunca dejes de soñar, con el que os dejamos a continuación.

Le deseamos, como siempre, toda la suerte a 3BDE, que sigue cosechando éxitos en Youtube, habiendo llegado a 1600 suscriptores en su canal y con diversas menciones de grupos consagrados, como Amaral o La Oreja de Van Gogh.

Noche de alacranes, de Alfredo Gómez Cerdá

2012-01-18T18:00:00.000+01:00

Para algunos era una revolucionaria muy peligrosa. Para otros, una heroína tenaz y valiente. En realidad, Catalina era solo una joven indefensa que deseaba entender lo que estaba pasando a su alrededor, en los duros años de la posguerra, y que lo arriesga todo para ayudar al chico que ama. Muchos años después de los hechos, durante una larga noche de insomnio, tendrá que enfrentarse a los recuerdos y revivir su amor adolescente.

Alfredo Gómez Cerdá nos explica en Noche de Alacranes cómo se siente Catalina, una anciana que, al volver del exilio, es considerada una auténtica heroína. Ésto le produce un profundo desasosiego, ya que ella sabe que nunca ha sido alguien valiente ni tampoco una peligrosa alborotadora. Catalina sólo era una cría asustada que se vio obligada a actuar siguiendo los dictados de su corazón, una persona atrapada por sus propias circunstancias.

Portada de la novela

Con más de 80 libros publicados, el madrileño Alfredo Gómez Cerdá es un reconocido escritor, sobre todo, dentro de la literatura infantil y juvenil. En 1982 ganó su primer premio al obtener el segundo puesto del premio Barco de Vapor, que ganaría en 1989. Además de escribir también varias novelas para el público adulto, ha elaborado varios guiones para cómic, ha colaborado en prensa y en revistas especializadas y ha participado en numerosas actividades relacionadas con la literatura infantil y juvenil. Todas ellas son muestras de una gran diversidad en el autor, ya que no quiere ser encasillado en ningún género concreto. Muchos de sus títulos abordan temas que invitan a los adolescentes a cuestionarse la realidad sin tapujos, como es el caso del tema de la posguerra tratado en Noche de alacranes. Esa constancia le ha hecho merecedor de reconocimientos y premios, consiguiendo el Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil (2009) o, con Noche de alacranes, el Premio Gran Angular (2005).


Alfredo Gómez Cerdá

En esta novela, el autor consigue perfectamente ahondar en el personaje para mostrarle al lector a una adolescente luchadora y capaz de acometer sus actos con valentía, pese a las voces que pretenden enmudecerla. Su fuerza voluntad, la valentía, el miedo, el deseo de sobrevivir, el terror ante lo desconocido y, sobre todo, el amor hacia Emilio, son los grandes sentimientos que podremos encontrar en Noche de alacranes. Todos ellos son propios del ser humano, sentimientos que además se acentúan en la adolescencia, esa etapa plena de sueños e incertidumbres sobre el futuro.

Para lograr una comunicación más eficaz con el lector, el escritor aborda los acontecimientos a través de saltos en el tiempo. Nos muestra, por ejemplo, a una Catalina siendo una adolescente a la salida del instituto en contraposición a una Catalina anciana que vive en la soledad de su habitación, frente a una caja de galletas que retiene sus recuerdos; y todos esos contrastes sin que esos momentos pierdan ni un ápice de su fuerza. Toda la noche la pasa en vela, en una auténtica noche de alacranes, y los objetos que va sacando de la caja trazan su terrible experiencia.

Todas aquellas personas de su infancia y adolescencia regresan y conversan con ella a través de sus recuerdos. Así, recuerda cómo su madre enmudecía paulatinamente con los infortunios y vejaciones sufridos en la guerra, revive la huída de su hermano o escucha la voz de Tirso, el profesor que pretende enseñarle a leer y escribir para que pueda enfrentarse con dignidad a la vida. Los hechos se deslizan a través de las emociones de la protagonista, siendo la más conmovedora su historia con Emilio, su gran amor, el chico con el que daba largos paseos en bicicleta y con el que sufrió lo indescriptible cuando fue secuestrado por los maquis. Sería ella la ocupada de cuidarlo y de devolverle una dignidad atormentada por la miseria de la situación. No le importa las consecuencias, porque el amor es el que impulsa sus actos y contra ese sentimiento no existe el miedo, por lo que nadie puede amilanarla ni acobardarla.

Alfredo pretende transmitir que cualquiera de nosotros hubiéramos hecho lo mismo si nos hubiésemos visto en esa situación, porque en nosotros prima más la fuerza de voluntad, el amor incondicional o el deseo de supervivencia frente a cualquier otra vicisitud.

Gracias a los cambios temporales ya nombrados, el autor consigue crear ciertos momentos de desahogo, en los que el lector puede reflejarse en las reflexiones de Catalina, y es ahí donde podemos sentir la historia como propia. El lenguaje es preciso, aunque a veces puede resultar lento debido a la multitud de descripciones que encontramos; pero, a la vez, podremos disfrutar de un lenguaje poético y cargado de sonoridad cuando retrata el interior de los protagonistas. No sólo reconocemos la voz de Catalina, sino que también nos aproximamos al alma del resto de los personajes a través de las pinceladas de sus actos. Al final de la novela encontraremos un mensaje lleno de esperanza, en el que los personajes retomarán las promesas que un día truncó cruelmente el destino. Nos hallamos, pues, ante un relato conmovedor que revela las atrocidades que se cometieron en la posguerra y para el que autor se documentó en manuales como Maquis, de Secundino Serrano, o El canto del búho, de Alfonso Domingo, una recopilación de testimonios narrados por sus protagonistas.

Noche del pasado, fotografía de LJ, emulando una de las escenas de la novela

Sin duda, Gómez Cerdá ha conseguido que su historia se desarrolle gracias a la fuerza motriz de sus personajes, los cuales muestran al ser humano en su complejidad, con sus debilidades, sueños y con la carga de sus defectos o la esperanza de sus virtudes. Esta novela rompe el absurdo tabú de la literatura juvenil y muestra a los adolescentes lo que fue la posguerra a través de una joven, capaz de abalanzarse hacia la vida, mientras en su nuca silbaban las balas de la crueldad, la muerte y el temor de sus circunstancias. En definitiva, un retrato veraz de la condición humana en tiempos de guerra y toda una historia llena de nostalgia ante el paso del tiempo.

Un antes y un después (IX): El mundo de la publicidad en 2012

2012-01-15T18:28:00.002+01:00

Actualmente sabemos que el conocimiento del cliente es el gran desafío para las marcas en el 2012. Bajo esta premisa, el marketing nos sitúa ante un escenario en el que la conversación y la complicidad entre las marcas y sus clientes debe ser personal, algo para lo que las redes sociales son grandes aliadas.

El principal objetivo pasa por expandirse en Internet. Para ello, es necesario que la reciprocidad se incorpore a nuestra lista de actividades. Cada vez más, las redes sociales como Twitter o Facebook son un gran incentivo a la hora de dar a conocer cualquier contenido; ya no sólo hablamos del mundo de la publicidad, sino de ámbitos como la literatura, la música o el espectáculo, que cada vez más usan estas plataformas como método para promocionarse, darse a conocer y expandirse. Estas novedosas formas de publicitarse son algo primordial en este 2012, que se prevé que sea un gran año para el avance de la red y un verdadero auge dentro de las redes sociales y blogs. Es por ello que no podemos esperar a que los usuarios compartan nuestros contenidos y se identifiquen con nosotros si ésta no es una práctica habitual de nuestra marca.

Nos encontramos en un punto en el que el cliente busca vincularse con la calidad y el reconocimiento; así, ignorar a los usuarios online es un camino directo al fracaso. La forma en la que construyamos nuestras relaciones será determinante en la consecución del éxito de nuestras campañas publicitarias. Y no podemos olvidar que, ya sólo interactuando con la sociedad, obtendremos la información necesaria para genera campañas vinculantes y de alto impacto para el gran público.

Nuestros seguidores serán los que se encargarán de promover nuestros contenidos desde sus propias redes, logrando una repercusión cada vez mayor de nuestras acciones y, sin duda, un aumento progresivo del éxito de nuestras campañas y estrategias, sin olvidarnos de ser constantes y pacientes para generar entretenimiento, valor y calidad, logrando atraer así a un número cada vez mayor de usuarios.

Como vemos, las estrategias de marketing y publicidad en 2012 estarán prácticamente proyectadas hacia los usuarios vía Internet. Una segmentación y especialización online del público será vital para acercarnos y darnos a conocer a nuestro público objetivo, unos ejes centrales que serán primordiales de la publicidad en 2012.

Love Actually, porque el amor está en todas partes

2012-01-04T21:30:00.000+01:00

Ambientada en el Londres contemporáneo durante los dos meses anteriores a las fiestas de Navidad, Love Actually, dirigida por Richard Curtis, entrelaza una serie de divertidas y conmovedoras historias que conforman en una sola, pero con muchos puntos culminantes en el día de Navidad. El amor, ese gran embaucador, iguala a todos a la hora de complicarles la vida, actuando como hilo conductor de todos ellos. Los amores y las vidas de todos estos londinenses se mezclan y entrecruzan con resultados románticos, divertidos y agridulces para todos los que han tenido la suerte o la desdicha de enamorarse.

Mientras que el nuevo primer ministro británico (Hugh Grant) se enamora de una miembro de su gabinete (Martine McCutcheon), un escritor (Colin Firth) descubre que su novia (Sienna Guillory) le es infiel con su propio hermano, por lo que decide marcharse hasta el sur de Francia, donde conocerá a su nueva asistenta (Lucía Moniz). Una mujer felizmente casada (Emma Thompson) empieza a sospechar que su marido (Alan Rickman) le es infiel con su secretaria (Heike Makatsch). Por otra parte, una joven recién casada (Keira Knightley) no comprende la actitud arisca del mejor amigo de su marido (Andrew Lincoln). También descubriremos cómo un padrastro viudo (Liam Neeson) decide ayudar a su hijastro de once años (Thomas Sangster) a conquistar a la chica más popular de su colegio. Al mismo tiempo, una ejecutiva (Laura Linney) decide dar el primer paso con otro compañero de trabajo del que lleva tiempo enamorada (Rodrigo Santoro). Y, como broche a esta mezcolanza de historias, un viejo rockero (Bill Nighy) prepara su reaparición estelar de una forma muy peculiar. Todas ellas son algunas de las vidas y enredos que descubriremos en esta película, protagonizada por un amplio elenco de grandes actores.

El nombre de Richard Curtis está estrechamente ligado a algunos de los mayores éxitos taquilleros británicos de los últimos tiempos, como Cuatro bodas y un funeral, Notting Hill y El Diario de Bridget Jones que, además de compartir protagonista (Hugh Grant) y una infalible fórmula comercial, tienen en común a Curtis como guionista, a las que ha aportado su talento para hacer un humor indiscutiblemente inglés que parece haber calado positivamente tanto en el mercado británico como en el internacional.

Love Actually, primer film dirigido por Curtis, se desarrolla en un constantemente salto de una historia a otra, conformando un puzzle que resulta sencillo de seguir gracias a la fluidez con la que se van sucediendo las escenas, siendo la precursora de películas de este estilo como Historias de San Valentín o Noche de Fin de Año, ambas dirigidas por Garry Marshall. Así, la estructura de la película consigue su objetivo de enganchar el interés del espectador, lo que permite mantener una cierta capacidad de sorpresa. Su propuesta y su mensaje son tan amplios que puede llegar a contentar a un amplio número de espectadores.

Con diez historias en juego a la vez, es posible que nos acabemos sintiendo identificados con alguna en especial: podemos interesarnos por la aparentemente relación imposible entre un recién nombrado Primer Ministro y su cándida asistente personal (una relación parecida a la que ya se mostraba en El Presidente y Miss Wade), reconocernos en las dudas de una insegura Laura Linney, incapaz de declararse a su compañero de trabajo, o sufrir con el mejor amigo de un recién casado que guarda un secreto inconfesable.

Curiosamente, las historias que más atraen en Love Actually son las menos originales; muchos de los mejores momentos de la película los deparan la historia de amor maduro que protagonizan la excelente pareja formada por Alan Rickman y Emma Thompson, amenazada por los coqueteos de él con una tentadora secretaria. También conmueve ver los torpes intentos de Liam Neeson por restablecer la comunicación con su hijastro tras la terrible pérdida de su madre y los momentos más divertidos están a cargo de la historia del viejo rockero, un tipo muy peculiar que intenta volver al estrellato con una versión navideña de Love is All Around; casualmente, el tema principal del film ya mencionado Cuatro bodas y un funeral.

En cualquier caso, Love Actually es una comedia dinámica que no aburre en absoluto y que se beneficia de sus excelentes intérpretes y de una serie de momentos en los que logra emocionar al espectador gracias a la sencillez y al devenir de las vidas de los personajes. Otro de los puntos a favor para destacar es, sin duda, apariciones fugaces pero sumamente divertidas como la de Rowan Atkinson, que provoca una sonrisa con su sola presencia. Además, la música también está muy presente en la película, desde su maravillosa introducción con la versión instrumental de Love Is All Around, pasando por Wherever You Will Go, de The Calling, o el conocido tema Here With Me, de Dido, que acompaña a una de las escenas más inquietantes de la película.

Quizás, Love Actually sea una película que, poco a poco, acabe abrumando al espectador, sobre todo debido al ligero desconcierto que puede causar en él tras sucederse un gran número de personajes y de historias cruzadas en tan poco tiempo. Además, es evidente que el mundo no es tan de color de rosa como nos quiere mostrar el film, algo que no suele encantar a todo el público y que cuyo sentimentalismo no siempre es del gusto de todos.

Love Actually es, en realidad, una abreviatura de Love Actually Is All Around. Éste es, precisamente, el argumento de la película: en cualquier sitio al que mires, el amor es el motor y es la fuerza impulsora de nuestras vidas. Desde los primeros ministros hasta las viejas estrellas del rock, desde una fría directora de colegio hasta una asistenta portuguesa que no conoce otro idioma; la película presenta aspectos divertidos, tristes y estúpidos del amor en todas sus formas y tamaños. Ese es el verdadero encanto de Love Actually: su mensaje.

Es por ello por lo que se la logra distinguir de muchas otras comedias románticas, ya que su mensaje acaba siendo un llamamiento al optimismo y a la superación. Todo un reto que debemos superar y que es perfectamente transmitido y realizado por cada uno de sus personajes. En definitiva, una película perfecta para estas fechas y para ilusionarnos en esta noche de Reyes. Porque, si prestas suficiente atención, descubrirás que, realmente, el amor está en todas partes.

Baúl del Castillo: balance de 2011 y proyectos de 2012

2011-12-31T18:00:00.015+01:00

Termina este año 2011, año en que han ocurrido muchas cosas, pero el resumen de todo ello se lo dejaremos a los informativos y a nuestros amigos del Beso del Escorpión. Nosotros repasaremos primero este mes que ha estado tan lleno de novedades y, sobre todo, récords batidos.

Comencemos por las estadísticas. El 26 de diciembre llegamos a las 20.000 visitas y actualmente nos acercamos a las 23.000, toda una subida debida en gran parte a entradas que han recibido un gran número de visitas, entre ellas, la dedicada al Vintage, que se ha convertido en la más vista de nuestro blog desde que se publicó. Hemos roto también el récord de visitas mensuales, que en noviembre estuvo en 4.391 y en diciembre se ha posicionado alrededor de las 10.000 visitas, lo que supone un aumento de más de 6.000 visitas con respecto al mes anterior. Debemos agradecer a todos nuestros visitantes este mérito, incluyendo especialmente a los mejicanos, que conforman el 19% de las visitas totales a nuestro blog, tras el 38% formado por españoles y por encima del 7% de argentinos y chilenos. Nos llena de orgullo traspasar las fronteras de nuestro país para llegar a otras personas que comparten nuestros mismos intereses por la cultura y los diferentes temas de ocio que exponemos. En seguidores también hemos aumentado desde 37 hasta 57 en el blog y de 71 a 83 en nuestro Twitter. Prácticamente todas las entradas de este mes han tenido como mínimo un comentario, pero como siempre os animamos a participar con vuestros comentarios, a sugerirnos nuevas cosas o a expresar vuestra opinión sobre los temas que tratamos, ya sean libros, publicidad o música. Como dije en el resumen de noviembre, conocer a nuestro público nos servirá también para ampliar horizontes.

Las reseñas de libros han sido fundamentales en Baúl del Castillo.

Pese al aumento en visitas, han disminuido, de nuevo, el número de entradas. Aunque los temas han sido diversos, ha habido cierto predominio por obras literarias y publicidad, ambas cuestiones tienen 3 entradas cada una este mes. Por otra parte, el hecho de que Debi abandone nuestro blog por falta de tiempo ha provocado que tampoco contemos con las entradas que ella hubiera realizado. No obstante, no debemos abatirnos, entre MB y LJ, servidor, hemos conseguido la cifra de doce entradas en este duodécimo mes, alcanzado el mismo número que en octubre, cuando aún estaba con nosotros Debi.

En esta ocasión no voy a repasar lo que hicimos en diciembre, sino todo lo que hemos hecho este primer año en la vida del blog.

Ya disponemos de tarjetas de visita de nuestro blog :)

Tras unos comienzos muy flojos, comenzamos la actividad principalmente entre finales de julio y agosto, dejando atrás el tipo de entradas que habíamos hecho en el pasado y cambiando poco a poco la forma del blog. Se unieron a BdC dos personas que serían esenciales en este cambio: Debi y MB. La primera para animar a recomenzar este proyecto y la segunda para darle la forma definitiva, gracias a sus dotes en marketing y diseño, consiguiendo así un logo y varios banners para publicitarnos. Desde este momento inicial hemos ido creciendo hasta llegar a la situación actual. Han sido un total de 87 entradas publicadas, más de 20.000 visitas, 129 comentarios, 13 afiliados y un único sueño compartido por nosotros para vosotros.

Entre todas esas entradas, queremos destacar que no sólo se tratan de palabras expuestas en una pantalla, sino de mucho tiempo invertido, de mucha ilusión y, sobre todo, muchas experiencias conseguidas. Gracias a este proyecto hemos conocido a gente estupenda, a la que podemos agradecer su apoyo además de felicitarles para que este próximo año les vaya aún mejor. Hablamos de El Beso del Escorpión, Óscar R. Arteaga, Sortilegio, los que componen Hello Friki y Javier Yanes, además de nuestra seguidora más ferviente, Midori.

Personas y grupos que hemos conocido en nuestra andadura: EBDE, Óscar, Sortilegio, HF, J. Yanes y Midori

A varios de ellos les hemos dedicado entradas, como nuestra crítica de Nivaria, la novela de Óscar, nuestra reseña de Si nunca llego a despertar, de Javier Yanes, nuestro Descubriendo dedicado a EBDE, además de todo el apoyo mutuo por las redes sociales, y nuestra crítica sobre Beber el tiempo, segundo disco de Sortilegio, de quienes hablamos en un Descubriendo. Cada uno nos lo agradeció de distinta forma, pero debemos decir que para nosotros siempre ha sido un placer divulgar estos proyectos que nos han ilusionado y nos han gustado tanto.

Además, hemos realizado entradas muy diversas, y hoy hemos querido recopilar unas cuantas:

Adaptaciones: Drácula de Bram Stoker
Antes y después: Primark, ¿un low cost de calidad?
Basado en hechos reales: Guy Fawkes
Clásicos inolvidables: El libro del buen amor
Figuras relevantes: Steve Jobs
Música inolvidable: Freddie Mercury
Publicidad No-Subliminal: Fantasía en la publicidad
Reseñas de cine: El Piano, de Jane Campion
Reseñas literarias: Trilogía Los juegos del hambre, de Suzanne Collins
Reseñas de música: Russian Red
Espectáculos: 40 el Musical
Artículos temáticos: Vampiros, desde ayer hasta hoy en la prosa

Esperamos que disfrutéis de estas entradas ;-)

La Alhambra, fotografía de LJ.

De nuestros propósitos para este nuevo año 2012, algunos tratan de recuperar viejas ideas que no hemos llevado a cabo aún. Además, vamos a seguir como siempre publicando reseñas de libros, cine y publicidad, con futuras entradas dedicadas a las secciones ya habituales. ¿Qué podemos concretar? Pues hablaremos de Garcilaso de la Vega y el Lazarillo de Tormes, también trataremos de exponer las nuevas tendencias publicitarias para 2012, además haremos una entrada especial dedicada al grupo Mecano, al cumplirse 20 años del último concierto antes de su separación, en 1992, sin contar los reencuentros esporádicos posteriores. Por otra parte, como dijimos en nuestra inocentada de este año, queremos realizar una serie de entradas dedicadas a la autora valenciana Laura Gallego. Todas estas cosas las realizaremos a lo largo del año, no necesariamente en enero. Y os recuerdo que a finales de este primer mes del año haremos una pausa por cuestiones académicas

Antes de despedirme, sólo me queda felicitaros la Navidad, de forma retrasada, y celebrar con vosotros el inicio del año 2012, para que os vaya a todos muy bien y, esperemos, no se acabe el mundo, como tantas veces nos han dicho ;-)

Espero no haberme dejado nada en el tintero, sólo desear que este blog crezca y lleguemos a más gente, para compartir la cultura con todo el mundo. Un estimable saludo, el administrador,

L.J.

Entrar a formar parte de Baúl del Castillo ha supuesto una evolución personal y profesional inimaginable. Gracias a mi trabajo he podido poner en práctica conocimientos que ya tenía conmigo y otros que he aprendido aquí, además de darme seguridad a la hora de escribir, diseñar y dar forma a diversas secciones del blog. También me ha dado la oportunidad de conocer a personas estupendas y de trabajar en equipo con muchas de ellas, gracias a su amable y estimada colaboración. Me siento muy orgullosa por haber contribuido a que sus trabajos puedan hoy día conocerse un poco más. Me alegro bastante del balance tan positivo que nos deja BdC, con la satisfacción de un deber cumplido, aunque para mí haya sido todo un placer. Agradezco también a LJ la confianza y el apoyo que me ha transmitido durante estos meses, aunque sé perfectamente que nadie apostaba por mí cuando me integré en el proyecto. Ahora, sin embargo, despido el año con un buen sabor de boca, con grandes entradas a mis espaldas y con ganas de seguir al frente, con la convicción de que 2012 será un año aún más próspero para todos nosotros y, por supuesto, para Baúl del Castillo. Porque ya he comprobado en este 2011 que con constancia y firmeza todo se alcanza.

MB.

PD: Disfrutad de las canciones Carla, de 3BDE, y Nana para dormir a una estrella, de Sortilegio. Ambas dedicadas a nuevas vidas, una nacida en 2011 y otra por nacer en 2012. Dos ilusiones para el futuro.

"Nunca se sabe a qué lugar te llevarán tus pasos... A mí me condujo hasta un baúl que me acompañaría desde entonces a cualquier viaje. En él llevo mis recuerdos y mi saber, y con él atravesaré cualquier frontera olvidada. Junto a la persona que amo no habrá límites, mientras dibujemos el cielo nunca los habrá."

-LJ

"Es imposible hacer una buena película sin una cámara que sea como un ojo en el corazón de un poeta."

-Orson Welles

Publicidad No-Subliminal (XII): Los mejores anuncios del 2011

2011-12-31T16:04:00.000+01:00

En la recta final de este 2011, y punto de finalizar el año, hemos querido echar la mirada hacia atrás en el mundo de la publicidad y vamos a destacar los mejores anuncios que han pasado por nuestro día a día a lo largo de estos meses. Coca-Cola, Pepsi, Ikea, KH-7, BMW... han sido algunas de las marcas que, un año más, han protagonizado este 2011 con estupendos y atractivos spots y demás campañas publicitarias.

Comenzamos este repaso a la publicidad más destacada del año con campañas como la de Coca-Cola. Con con una música de fondo que bien podría evocarnos paradisíacas tardes frente al mar, vimos como un grupo de chicos y chicas aburridos en la playa descubren en el mar un simulador de caída libre con la forma de la famosa botella de Coca-Cola. A partir de ese momento, se sucedían imágenes de los chicos disfrutando de la atracción y destapando, literalmente, la felicidad que siempre se asocia (así es el márketing) al refresco. Un recuerdo para no olvidar el verano del ya casi acabado 2011.

Otro conocido anuncio, esta vez por la polémica suscitada, es el de la marca KH-7, que por su reclamo bien podríamos esperar que nos anunciara cualquier otro producto más notorio que un quitagrasas. Su director, Bigas Luna, dejó patente que gracias a KH-7 limpiar una vitrocerámica o un lavavajillas nunca había sido tan placentero y sensual. La originalidad del anuncio reside en su evidente carga erótica, una de las principales razones que le hizo ser conocido a lo largo del país, siendo uno de los principales temas comentados en la red Twitter durante semanas.

Los responsables de publicidad de Liberty Seguros han roto las reglas este verano con su divertida y fresca campaña. Una estrategia con un claro objetivo: buscan que a la empresa se le asocie su atención al cliente como un factor diferencial para el telespectador. Por el hecho de que seremos atendidos por personas y no por máquinas, han desarrollado cuatro curiosos y reconocidos spots. Aquí os dejamos con uno de ellos:

Una famosa bebida que suele presentarnos trabajos divertidos para sus promociones es la cerveza, y en este 2011 no podía ser menos. En la última campaña publicitaria de Cruzcampo se ha jugado con la idea de la separación hemisférica del cerebro, no sólo física, sino también asociada al comportamiento, distinguiendo entre la parte norte y la parte sur. El primero es el que nos hace responsables de nuestros actos, y el segundo, además de la clara referencia geográfica a las tierras andaluzas, es el que nos hace disfrutar de lo que vivimos, siendo una combinación de ambas zonas lo que nos singulariza y distingue como personas. Por eso, este verano nos hemos cansado de escuchar que... todos necesitamos un poco de sur para poder ver el norte.

En los spots de Ikea no hay lugar para el pesimismo, transmitiendo siempre un mensaje positivo para todos aquellos que conforman una república independiente en sus casas.

Su último anuncio de 2011, conocido por el ritmo marcado de la frase Tengo derecho a mi fiesta, es obra de la agencia SCPF (la agencia de cabecera de Ikea) y ha sido compuesta por el estudio barcelonés Trafalgar 13. En el spot destaca cómo en tiempos de crisis como los que vivimos, nunca está de más ver el lado positivo de la vida (festejando una fiesta en este caso), impulsando así las ganas de mejorar sin olvidarnos de la realidad en la que estamos inmersos.

A lo largo de este 2011, en Baúl del Castillo hemos intentado destacar en nuestras secciones dedicadas a la publicidad los avances, las novedades y las noticias relacionadas con el mundo de la mercadotecnia, reflejando en ellas las últimas tendencias en diversos anuncios y spots, tanto nacionales como internacionales. Os invitamos a que visitéis las entradas realizadas a lo largo del año 2011 relacionadas con este ámbito en la sección Publicidad No-Subliminal y en Un antes y un después, y deseando, desde aquí, que el próximo año sea aún más próspero para Baúl del Castillo y, así, poder informaros y haceros sentir toda la magnitud y la esencia que rodean al mundo de la publicidad.

Muerte de un superhéroe, de Anthony McCarten

2011-12-30T21:21:00.000+01:00

Un día cualquiera estás en una Feria del libro y encuentras un volumen de una obra de la que nunca habías oído escuchar, pero que capta tu atención, así me pasó con Muerte de un superhéroe, de Anthony McCarten. Poco sabía de este autor y menos aún de esta novela que mezcla la narrativa con el guión cinematográfico y el formato de los cómics.

Anthony McCarten, autor de la novela

El autor es Anthony McCarten, escritor, dramaturgo y cineasta que lleva tras de sí el número de cuatro novelas publicadas y una en camino. Nacido en Nueva Zelanda, este autor no se detiene sólo en sus obras escritas, sino que también se encarga de adaptarlas para el cine y dirigir sus propios guiones. Así hizo con sus novelas The english Harem y Via Satellite. Por otra parte, ha escrito hasta doce piezas teatrales, entre ellas, Ladie's Night, obra que le hizo ganar una indemnización junto a su compañero Stephen Sinclair por un plagio del contenido de este guión en la película The Full Monty. La novela de la que hablamos hoy, Muerte de un superhéroe, también tiene su adaptación cinematográfica dirigida por Ian Fitzgibbon y presentada en Toronto este mismo año 2011, lamentablemente no ha llegado a España aún.

Escena de la película donde aparece Miracle Man

Pero, ¿de qué trata este libro? La historia está hecha para ser un drama clásico y lacrimógeno: un muchacho de catorce años, el protagonista llamado Donald F. Delpe, vive atormentado, no sólo por las preocupaciones típicas de la edad, sino también porque su vida parece estar a punto de apagarse por culpa de la leucemia. Este hecho, lejos de convertirlo en una persona débil, le ha dado fuerza para hacerse intratable para sus padres y profesores, además de haberse rendido a la vida. Esto provoca que entre en escena el doctor Adrian King, un reputado psicologo que intentará devolverle las ganas de vivir... aunque haya que incumplir ciertas normas.

Portada

Pese a que la sinopsis pueda ser el perfecto cuadro de un drama, el autor consigue reunir el justo grado de escenas que te levantarán una sonrisa con aquellas que te harán soltar alguna lágrima, porque se hace casi imposible no sentir empatía por alguno de los personajes de la novela, especialmente por Donald, un joven como cualquier otro que ha tenido que crecer demasiado rápido pero que, a la vez, sigue teniendo las mismas preocupaciones que cualquier muchacho de su edad pero que las ha dado por perdidas. La novela, por otra parte, no está escrita al modo usual, sino que es una mezcla de narración normal con toques de guión cinematográfico y cómics, algo que será importante no sólo para el lector, que puede sentirste atraído por este nuevo enfoque, sino también porque el cómic es un factor importante en la obra, teniendo en cuenta que es un aspecto que no se puede separar de Donald, a quien le encanta dibujar y tiene su propia historia de cómic cuyo protagonista es un superhéroe inmortal llamado Miracle Man, quien está muy relacionado con él.

Entre el psicólogo y Donald, descubriremos el mundo que rodea a los personajes, normamente descrito de una forma crítica por la visión del protagonista enfermo. También cada personaje tendrá un párrafo dedicado a su descripción al más puro estilo del guión cinematográfico, en ocasiones podremos hacernos un retrato mental perfecto de ese personaje. Por otra parte, no esperéis suavidad a la hora de leer sobre la muerte o el cáncer, pues vais a encontrar una obra de humor negro y sinceridad, desde el dolor hasta el sexo, las drogas o la muerte.

Aisling Loftus y Thomas Brodie-Sangster interpretando a Shelly y a Donald

Es un libro que nos hará sentir de muchas formas, escrito de una forma peculiar y, sobre todo, sin nada que ocultar, porque todo lo muestra. Cambiará la vida de sus personajes, especialmente de Donald y Adrian, y qiuzás también nos hará ver la vida de otra forma a nosotros. Y todo bajo el subtítulo basado en hechos reales.

Si nunca llego a despertar, de Javier Yanes

2011-12-29T20:05:00.000+01:00

Si nunca llego a despertar es la esperada novela del escritor madrileño Javier Yanes. Tras el éxito de su primera obra, El señor de las llanuras, logró obtener un aclamado reconocimento, no sólo en nuestro país, sino también internacionalmente en lugares como Holanda, Italia o Polonia. Este brillante y espectacular debut supone que esta segunda novela de Yanes tenga asegurado el respaldo del público dentro y fuera de nuestras fronteras.

Si nunca llego a despertar, cuya evocadora portada abre el preludio a la infancia de Toño

Javier Yanes nació en Madrid en 1968. Pronto comenzaría a practicar sus dos pasiones que se ven reflejadas en su obra, escribir y viajar. Ha sido biólogo y periodista de viajes, y actualmente ejerce el periodismo en la prensa diaria. Reside en Torrelodones, en la sierra madrileña, y siempre que puede se escapa a Kenia, su paraíso personal; unas conexiones que podemos observar también en su obra. Esta vez, el escritor también regresa a África, escenario ya tomado en su primera novela. Kenia es el paraje anhelado por el protagonista, Toño, y se trata del lugar escogido para celebrar el día de su boda. Allí se reencontrará con Estela, su hermana pequeña, con quien recordará su niñez antes de que ella naciera. Horas antes de su boda, rememorará los momentos felices, sus aventuras llenas imaginación y fantasía y aquellos otros momentos amargos de cuando él era niño. En estos recuerdos oníricos están también sus hermanos Miguel y Nicolás, además de sus padres, un sinfín de travesuras y el que sería el gran amor de su vida.

Javier Yanes, escritor de El señor de las llanuras y Si nunca llego a despertar

¿Quién no ha vivido una infancia llena de aventuras, magia, peligros, héroes de película, piratas imaginarios y tesoros escondidos?

Todos estos recuerdos son rescatados del mundo vivido en aquel verano tan inolvidable para él. Un sueño del que no quiere despertar por la alegría y nostalgia que Toño aún mantiene hacia su infancia. Un mundo maravilloso que exploraba como si éste nunca fuera a tener fin. Un universo lleno de vida y de luz que, sin embargo, sumergió a Toño en un sueño del que no quiso despertar jamás. Pero despertó.

Es en esa frontera entre realidad, sueño y pesadilla donde se desarrolla la mayor parte de la trama, cuyos capítulos arrancan siempre desde la misma premisa: Desperté. A partir de ahí, y durante 12 capítulos, un intermedio y un emocionante epílogo, nos adentramos en el recuerdo de aquel inolvidable verano de la mano de Toño, dando entrada a los iconos de la infancia de los tres hermanos: héroes, piratas y tesoros escondidos, en donde Indiana Jones o Batman son casi dos personajes más de la novela. Una frescura infantil que narra la infancia de hace veinticinco años, una generación cuya forma de vida es hoy día bastante difícil de encontrar, debido al cambio de mentalidad que hemos experimentado y al avance de nuestra sociedad, en la que los niños prefieren la televisión o los videojuegos antes que salir, explorar y vivir aventuras que provengan de su propia imaginación.

Indiana Jones, intepretado por Harrison Ford, todo un ídolo para el protagonista y sus hermanos

Al contrario que la de su primera novela, El señor de las Llanuras, con más de 60.000 ejemplares vendidos, la estructura de Si nunca llego a despertar desconcierta desde el primer momento. Cada capítulo está datado a X días restantes de un acontecimiento clave que no se desvela hasta el final.

Con un lenguaje sencillo, con innumerables toques de humor y con una acción directa y mágica, todo ello traducido en una lectura amena y ligera, Yanes es capaz de envolvernos en un halo de sueños, acontecimientos y creatividad propios de cualquier niño. Una nostalgia que pretende transmitir haciéndonos recapacitar sobre la mentalidad y el espíritu de ese niño que, debido al paso de los años y a las circunstancias vividas, una vez perdimos. Según comenta el propio Yanes: "De África te enamoras como de una persona, encuentras lo que ibas buscando sin saberlo. En la novela, el verano, los sueños, los viajes y la infancia, todo significa lo mismo: libertad. Romper la rutina, dejarse caer en lo inesperado, en cosas que no siempre controlamos, que unas veces emocionan y otras duelen. Todo viaje es como volver a ser niños".

Sin duda, una novela más que recomendable, en la cual descubriremos un profundo transfondo social y psicológico gracias a los pensamientos que pasan por la mente pueril y cándida del protagonista. En este viaje, nos preguntaremos qué hubiera ocurrido a nuestro alrededor si nunca hubiésemos llegado a despertar. Aprenderemos que nuestra vida puede cambiar para siempre en un instante y, a veces, sin que podamos remediarlo. Descubriremos que, pese a ello, nuestra infancia y todas las aventuras que en ella pudimos recrear aún perduran en nuestra vida, y que recordarla supone aprender de todo nuestro pasado para seguir adelante en armonía con nosotros mismos y con los que todavía nos rodean. Y, así, poder llegar despertar.

Adaptaciones (V): Laura Gallego

2011-12-28T17:44:00.003+01:00

INOCENTADA DE 2011
Pero en 2012 tendremos un especial de Laura Gallego, no te lo pierdas.

Después de obtener un gran éxito con la trilogía Memorias de Idhún y una fluida carrera literaria desde los 21 años con la publicación de Finis Mundi, la autora valenciana Laura Gallego García ha accedido a que se adapten algunas de sus novelas cinematográficamente. Aunque la negativa de la escritora ha sido siempre muy persistente, entre otras cosas por el disgusto que le produjo en su juventud la adaptación de su novela favorita La historia interminable, en las negociaciones con la productora se ha asegurado que contará siempre con la opinión de Laura y se contará con los mejores efectos visuales posibles; lo que ha conducido a la firma de un contrato para adaptar una de sus obras.

Laura Gallego García, autora valenciana.

Memorias de Idhún

Sin embargo, aunque la noticia ya aparece en su página web personal, hay muchas incógnitas que no ha querido desvelar, defendiendo que pronto "habrá nueva sorpresas". La principal está clara: ¿qué obra van a adaptar? ¿Qué libro de Laura Gallego podremos ver en los cines en 2013? Hay quienes aventuran que lo más seguro es que se trate de su saga más popular: Memorias de Idhún. Esta trilogía goza ya de varios productos independientes, como un juego de mesa, agendas o una adaptación en cómics que aún se están publicando. No obstante, la autora siempre ha preferido no ceder los derechos de esta obra que considera tan personal y por la que ha trabajado tanto, por lo que a sus fans se les presenta serias dudas sobre su adaptación. Por otar parte, algunos sectores opinan que quizás la autora valenciana ha podido aceptar una primera película sobre alguna de sus obras más cortas para probar el resultado y quizás sería el primer paso para una futura adaptación de Memorias de Idhún.

Alas de fuego

¿Pero qué otra obra puede ser la elegida? Los otros nombres que resuenan son su otra saga, Crónicas de la Torre, o la novela Alas de fuego, que tiene su continuación Alas negras publicada en 2009. Aunque la primera tendría el defecto de ser cuatro novelas, pueden ser una adaptación más sencilla, especialmente por el menor número de personajes que contiene la primera obra y no se trata de una novela muy extensa, como sucede con Triada o Panteón, la segunda y tercera novela de Memorias de Idhún. En el caso de Alas de fuego no existiría un compromiso tan grande como con una saga, también sucede así con alguna de sus obras más recientes, como La emperatriz de los etéreos o Donde los árboles cantan. Eran muchos los que esperaban que esto sucediera, aunque también hay quienes opinan que la magia de las novelas de Laura se perderá en las adaptaciones como ya ha sucedido con otras obras adaptadas. La cuestión será esperar nuevas noticias desde la página personal de la autora y, sobre todo, de la productora de la que aún desconocemos el nombre, ¿alguien apuesta por alguna?

Aquí tenéis la noticia completa.

Última novela publicada de Laura Gallego

Publicidad No-Subliminal (XI): La Navidad tiñe los anuncios televisivos

2011-12-26T22:15:00.000+01:00

Ya llegó la Navidad. Nos encontramos con una de las fiestas más tradicionales y arraigadas de nuestra cultura, y que llega envuelta de un clima especial de connotaciones religiosas. Pero, cada vez más, las fiestas navideñas han alcanzado un carisma propio como fecha importante dentro del calendario occidental, convirtiéndose en una ocasión clave para el negocio de la mercadotecnia y la publicidad, debido al aumento y consumo de todo tipo de productos y regalos.

Charlize Theron, imagen del perfume J'adore

¿Quién no espera con curiosidad los anuncios de moda, de perfumes o los tradicionales de la Lotería Nacional, de marcas como Coca-Cola o Freixenet, que logran sorprendernos año tras año? Claramente, es algo que todas las empresas ven como un claro impulso de su prestigio y un beneficio de su poder, hecho que tienen que, cada vez más, cuidar con una adecuada y sorprendente campaña de ventas. Felicitar la Navidad forma ya parte de las costumbres y tradiciones dentro de nuestra sociedad. Además, ésto ayuda a mucha marcas comerciales a adaptar sus mensajes, promociones, anuncios y campañas publicitarias para dicha ocasión. Otras marcas, sin embargo, prefieren recurrir al ingenio para desarrollar propuestas de lo más creativas y transmitir así su mensaje de felicitación a los clientes y consumidores.
Una forma más de hacer una referencia clara a estas fechas navideñas de una forma original. Como prueba de ello, hemos recogido una selección de algunos de los anuncios de las marcas más populares nos anuncian la llegada de la navidad.

Comenzamos con uno de los clásicos de cada Navidad, el conocido champagne Freixenet. La marca se ha caracterizado cada año por su prestigio y elevado nivel a la hora de elaborar y presentar sus campañas, distinguiéndose del resto por escoger para cada anuncio rostros conocidos del panorama nacional e internacional. Sin embargo, en estos últimos años, la marca de cava ha ido descendiendo en el nivel de sus spots, llegando incluso a repetir la pasada temporada el anuncio de la campaña anterior. En esta ocasión, el spot fusiona en este 2011 el flamenco de la bailaora Sara Baras con la danza clásica y contemporánea del primer bailarín y coreógrafo del Centro Nacional de Danza, José Carlos Martínez. Toda un reflejo del arte que ambos desprenden sobre el escenario.

Desde que la conocemos, la imagen de Santa Claus ha sido usada por la marca de bebida más famosa del mundo; por una parte, porque fueron ellos quien lo rescataron de la tradición y, por otra parte, porque sigue funcionando incansablemente cada Navidad. El clásico Papá Noel de Coca-Cola fue creado por Haddon Sundblom en 1931, una propuesta que recuerda las emociones vinculadas con esta época tan especial. El nuevo spot de Coca-Cola nos sorprende con una campaña dedicada a los juguetes. En él, aparecen dos chicos jugando a la videoconsola, algo que en seguida dejan a un lado al aparecer en escena el balón de fútbol del Mundial de Sudáfrica.

El anuncio que publicita cada año el Gordo de Navidad cobró gran popularidad en España gracias al actor británico Clive Arrindell, el conocido como Calvo de la Lotería. Protagonizó todas las campañas de la Lotería de Navidad entre 1998 y 2005; este primer anuncio, del año 1998, es un spot simple pero magnífico, que acaba con la frase «Cada navidad, tus sueños juegan a la lotería» y el lema «Que la suerte te acompañe», que se asemeja al de la conocida saga de La Guerra de las Galaxias.

«Vuelve, a casa vuelve, vuelve a tu hogar...» Una pegadiza y conocida letra que se ha hecho famosa gracias al anuncio del turrón El Almendro. Con motivo de la Navidad, estas fechas son el momento de reencuentros por excelencia: todos volvemos a casa para celebrarla con nuestros seres queridos y la familia al completo se reúne en la mesa para cenar y conversar. Cambian los personajes, cambian los escenarios, incluso la voz que canta la canción, pero la letra sigue siendo la misma año tras año, al igual que el mensaje. Volvemos a casa por Navidad, como también vuelve el turrón.

Como hemos visto en esta selección publicitaria, la mayoría de marcas y empresas pretenden ir siempre un paso más allá; eligiendo siempre, de entre miles de formas distintas de felicitar la Navidad, la que consideran más original para el espectador. ¿Con qué nos sorprenderán las marcas el año que viene? Ni siquiera nos ha dejado aún este 2011 y, aunque todavía estamos en vacaciones, la cuentra atrás ha comenzado para la próxima Navidad.

El Rey León, de Walt Disney Pictures

2011-12-26T16:00:00.006+01:00

En el verano de 1994, en noviembre en España, todos pudimos contemplar un horizonte donde se abría el día al son de un canto que parecía surgir de la misma África. Diversos animales comenzaban este amanecer dirigiéndose a un montículo de piedra donde se encontraba una pareja de leones. Poco después, un mono, que parecía bautizar a un pequeño león, lo alza delante de todos los animales, que se arrodillan ante el sucesor del rey. Todo se apaga y aparece el título: El Rey León.

Es el comienzo de esta obra maestra del cine que marcó la infancia de muchos niños y que aún hoy emociona a niños y adultos. Y que esta Navidad se puede disfrutar en su versión digital o en 3D en la gran pantalla, una oportunidad única de revivir este clásico de Disney de una forma especial y remasterizada.

El Rey León nos cuenta la historia de Simba, el león heredero del rey, Mufasa, que durante su infancia será testigo de la muerte de su padre y acusado de ésta por su tío Scar. Este hecho marcará profundamente al joven león, quien huirá del reino hasta encontrarse con Timón y Pumba, quienes le enseñarán una nueva forma de vivir la vida sin preocupaciones, la ya famosa fórmula Hakuna Matata. Pero a veces el pasado no se puede eludir y la responsabilidad regresará al cabo de los años en forma de Nala, su amiga de la infancia. Juntos retornarán al reino para arrebatárselo al usurpador Scar, auténtico asesino de Mufasa.

La película es, sin duda, todo un espectáculo de imagen y sonido, un film musical que alcanzó, por este aspecto, dos premios Oscar y tres Globos de Oro. Alabada por la crítica y superando al proyecto principal de Disney en aquella época, Pocahontas, cuyas críticas y recaudación fueron menores pese a ser considerada por el estudio como una obra más prestigiosa que El Rey León. Contiene un imagen espectacular, desde los movimientos de los animales, que se corresponden con los auténticos gracias al estudio que hicieron los animadores en Kenia, hasta los fondos africanos, con ese primer amanecer o las escenas de lluvia. También algunos recursos informáticos para el dibujo, como la estampida de ñús, que sirvió para multiplicarlos y crear un aspecto de gran confusión, el mismo que se da en el movimiento de una manada.

Simba, protagonista de la película

Pero la factoría Disney no separa la imagen del sonido y es en este sector donde la película deslumbra a todos los espectadores, desde la mítica El Ciclo de la Vida, el divertido himno Hakuna Matata o la romántica Es la noche del amor. La banda sonora, a cargo de Hans Zimmer, fue la que otorgó la estatuilla de la Academia al film, mientras que la canción Can You Feel the Love Tonight (Es la noche del amor), de Elton John y Tim Rice logró también el Óscar a Mejor canción. En general, la música de El rey león es una protagonista más, que junto a la historia, emociona al espectador y consigue llegar a todos. Tanto para alegrar con personajes como Timón y Pumba, como para hundirnos con la muerte de Mufasa, hecho que ha marcado la infancia de muchos niños y que ha servido para capacitar al espectador a afrontar esta clase de hechos, como es la muerte de un padre.

Timón y Pumba, los personajes más carismáticos del film

Se desprenden muchos valores de la película, que después de todo se basa libremente en la obra de Shakespeare, Hamlet, libro que está entra las obras reconocidas por la literatura universal y que contiene temas atemporales de la humanidad. Hay quienes han hecho interpretaciones del film como defensora de una monarquía autoritaria, pero debemos tener en cuenta que se trata de una obra contextualizada en una manada de leones y que, además, rechaza el absolutismo que desprende Scar, el villano, cuando está en el poder. Incluso los personajes malvados del film, como son las hienas, defienden que vivían mejor dentro de un sistema más justo, el reinado anterior de Mufasa, que se reestablecerá con Simba. Por otra parte, es también una historia de superación: el pasado no puede ser olvidado, debemos afrontarlo para luchar por un futuro mejor, porque aunque podamos vivir sin preocupaciones, siempre habrá personas afectadas por nuestras decisiones pasadas. También hubo cierta controversia con las letras que formaban una de las imágenes de la película, SFX -guiño hacia los efectos especiales-, que ciertas sectores defendían que se podía leer SEX, la polémica generada por este asunto llevó a retirar esta formación de letras en la reedición digital.

Sin duda, estamos ante una gran película de la historia del cine y de la factoría Disney, que marcó a toda una generación como podemos comprobar por los numerosos grupos creados en las redes sociales bajo el lema La muerte de Mufasa aún es uno de los sucesos más trágicos de mi vida. Incluso muchos se lamentan de que la calidad de las películas dirigidas para niños haya descendido y no se creen obras como ésta. Esperemos, no obstante, que este film siga ilusionando a nuevas generaciones y haciendo vibrar los corazones de quienes regresan al cine para verla de nuevo, esta vez con un 3D que, si bien sorprende lo justo, proporciona una mejor calidad de imagen y algunos momentos que hará que a algún espectador se sienta inmerso en la historia... aunque dudo que no lo consiguiera sin la reedición digital que ha tenido.

La muerte de Mufasa

Portada de El Rey León 2

El Rey León, obra insigne de Disney que también tuvo secuela, El Rey León 2: El tesoro de Simba, y una precuela paralela, titulada El Rey León 3 y que narra la misma historia que la película original pero desde el punto de vista de Timón y Pumba, dos de los personajes más queridos de la saga que incluso tuvieron su serie de animación propia. También pudimos ver el universo de El Rey León en el videojuego Kingdom Hearts 2 y hecho musical en Broadway, que recientemente ha llegado a España. Además ha sido parodiado, entre otros, por Los Simpson.

Si marcó vuestra infancia o si sois cinéfilos, no perdáis la oportunidad de volver a verla en pantalla grande, algunos quizás ni siquiera tuvisteis la oportunidad de verla cuando se estrenó y este es vuestro momento. Por mi parte, revivir en 3D la primera película que vi en el cine con cuatro años fue toda una experiencia, así que no perdáis esta oportunidad.

PD: Os recomendamos la crítica que hicieron desde Hello Friki

Publicidad No-Subliminal (X): Anuncios que emocionan, un éxito asegurado

2011-12-23T12:21:00.000+01:00

Las emociones son el punto de partida de cualquier unión, sea de cualquier tipo. Ésta juega un papel determinante en la construcción de lazos sociales de toda índole. En el terreno económico y publicitario, más allá del cambio actual al que se han enfrentado todas las industrias y mercados, no podemos negar que, actualmente, el desafío para toda promoción y prestigio de una empresa radica en transmitir un vínculo, un valor.

Tomemos como ejemplo la publicidad, tras comprobar cómo un porcentaje cada vez más elevado ha dejado de prestar atención alguna a los anuncios publicitarios emitidos durante los programas o películas, poniendo de manifiesto la escasa implicación hacia el público por parte de los mismos.

La creatividad de la publicidad se presenta a examen y el desafío está en la identificación y generación de emociones, las cuales actúan como eje central entre empresas y clientes. Objetivos como impactar, tener reconocimiento y aumentar las cifras de ventas pueden contextualizarse en el lenguaje de las emociones, dándonos cuenta de que son perfectamente cuantificables.

Un claro ejemplo es el caso de la conocida empresa Pantene. Bajo el lema Tú puedes brillar, la marca pretende entablar un vínculo emocional con el espectador. Alejándose del cliché que todos conocemos en el que una joven modelo anuncia un champú para el cabello, este anuncio ha sabido llegar más allá. En él, nos adentramos en la vida de una chica sordomuda que desea aprender a tocar el violín. En este viaje desde la frustración de un mundo que no la comprende hasta la liberación de su esencia, logra transmitirnos, a través de la música, un mensaje de optimismo, esperanza y energía. La elección de la música es magnífica, y la melodía de Pachelbel nos integra plenamente con la historia.

En estas fechas cercanas a la Navidad, es inevitable encontrarnos con anuncios y spots que nos transmitan sentimientos y emociones de todo tipo, desde las más alegres hasta las más desoladoras. Campañas como las de la Dirección General de Tráfico (DGT) o las de la Fundación de ayuda contra la drogadicción (FAD) promueven despertar nuestras conciencias para que seamos testigos de todas las fatalidades que pueden ocurrirnos si no somos responsables frente a la carretera o en el propio camino de nuestra vida. Porque un segundo puede cambiarlo todo. Un ejemplo como este refleja esta manera impactante de enfocar la publicidad:

Otra serie de emociones son las que transmiten un mensaje positivo, ya sea con reencuentros emotivos o, simplemente, impulsando las ganas de avanzar hacia un nuevo año. Un ejemplo de ello y que se encuentra de plena actualidad es el caso de la empresa Campofrío, que se aleja de cualquier estereotipo de sus campañas publicitarias y se centra en captar al espectador, en llegar hasta él y en emocionar a medida que avanza el spot, gracias al humor, a reencuentros y a recuerdos que en él se encuentran. Dirigido por Álex de la Iglesia, el anuncio ha querido rendir homenaje a Miguel Gila, el eterno cómico murciano que falleció hace ya diez años, reuniendo para ello a un importante grupo de cómicos del panorama de nuestro país. Santiago Segura, que ejerce de narrador, es el primero de una larga lista en la que también distinguimos, entre otros, a Florentino Fernández, Josema Yuste, Millán Salcedo, Pepe Carabias o Chiquito de la Calzada.

¿Se puede ver el lado bueno de todo con la que está cayendo? Inesperadamente, tras lanzar al aire esta pregunta, los asistentes al memorial reciben una llamada telefónica muy particular.

Al igual que en cualquier estrategia de marketing que hayamos podido implementar, el éxito en la búsqueda de las emociones como base del nuevo paradigma publicitario lo encontramos en la identificación clara de los objetivos y valores que queremos dar a conocer. Ello vinculado a la capacidad para mantener la constancia, perseverancia y apuesta por la calidad, da como resultado un cliente satisfecho.

Sin embargo, no podemos pensar que el éxito en una campaña publicitaria basada en las emociones, será inmediato. Para encontrar emociones, es necesario que la creatividad dé paso al análisis y las métricas, indispensables para las empresas en 2012, sin las cuales no se identificarían las emociones. Con todo ello, el cliente se identificará con el producto en cuestión, humanizándolo y haciéndolo más creativo ante los ojos del consumidor.

Aunque se trate de un complejo trabajo, debido al hastío que presenta la publicidad tradicional por parte del público, no podemos olvidar que los riesgos que subyacen en el ensayo–error, son siempre menores que quedarse parado o en el propio intento. Porque vencer los miedos es la mejor forma de ser confiable, algo fundamental para acceder a las emociones personales.

Walt Disney, el padre de la animación

2011-12-15T17:00:00.000+01:00

"La figura más importante en artes gráficas desde Leonardo Da Vinci". Así fue como David Low, famoso caricaturista político británico, ha calificado a Walt Disney. Por algo, todavía hoy se le considera a Disney como una figura que existe cada día y en todas partes del mundo a un nivel similar al de Leonardo.

Disney junto a su carismático personaje Mickey Mouse

El creador del entrañable ratón Mickey y fundador de Disneylandia y de los parques temáticos de Walt Disney World nació en Chicago, Illinois, un 5 de diciembre de 1901. Crecido en una granja cerca de Marceline, Misuri, Walt se interesó enseguida en dibujar desde temprana edad, vendiendo sus primeros bocetos a vecinos cercanso cuando tenía solamente siete años. Ya en su juventud, Disney dividía su atención entre el dibujo y la fotografía, asistiendo además como alumno en la Academia de Bellas Artes.

En 1923, Walt Disney partió de Kansas City hacia Hollywood con nada más que algunos dibujos y una animación de acción. El hermano de Walt, Roy O. Disney, fue el responsable de su triunfo. Juntando sus recursos construyeron un taller de filmación en el garaje de su tío. Pronto recibieron una orden de Nueva York para su primer estreno, La comedia de Alice, y, a partir de ahi, ambos hermanos empezaron propiamente la labor de producción.

Walt y Roy Disney, ambos hermanos posando junto al primer Óscar recibido en su trayectoria

Dos años más tarde, Disney contrajo matrimonio con Lillian Bounds, una joven empleada de su estudio, con la que tuvo dos hijas: Diane Marie, nacida en 1933, cuando el matrimonio ya descartaba que pudieran tener descendencia, y Sharon Mae, a la que adoptaron en 1936.

En la primavera de 1926, y después de haber tenido que cambiar de local porque la compañía crecía, los dos hermanos cambiaron el nombre de su empresa, que pasó a llamarse Walt Disney Studio. Pero el estudio sufrió un importante revés cuando su principal cliente de la compañía se quedó con los derechos del conejo Oswald, un personaje creado por la compañía Disney que había protagonizado diversos cortometrajes.

En 1928, nace Mickey Mouse, cuyos talentos animados fueron utilizados primeramente en un dibujo de cine mudo llamado Plane Crazy. Posteriormente, Mickey Mouse hace su debut en Steamboat Willie, la primera película de dibujos animados con sonido perfectamente sincronizado, estrenada por vez primera en el Colony Theatre de Nueva York el 18 de noviembre de 1928. También fue el introductor del Technicolor (tecnología de color en las películas usada también actualmente) para la producción de Silly Symphonies, y en 1932 su film Flowers and Tress ganó el primero de 32 Premios de la Academia. En 1937, llegó Blancanieves y los siete enanitos, el primer largometraje musical animado para Disney y para el mundo del séptimo arte.

Con él, demostró no sólo que Disney y su equipo eran unos virtuosos de la animación, sino que los dibujos animados podían ser todo un género cinematográfico. La película recaudó cuatro millones de dólares, todo un récord para la época.

Pinocho (1940), considerada como una de las piezas maestras del cine de animación por los críticos, y en la que se invirtieron más de dos millones de dólares, fue un fracaso comercial en sus inicios. En ese mismo año, lo mismo sucedería con Fantasía. En ella, dibujantes y animadores combinaron las evoluciones de los personajes de dibujos animados con la música de Beethoven, Ravel, Bach o Chaikowski. Considerada una obra maestra por unos y una insultante caricatura de la música clásica por otros, Fantasía no fue la «obra total» que Walt Disney había imaginado y deseado. Estos fracasos comerciales abrieron una importante brecha económica en la empresa, paliada poco después por los éxitos consecutivos de Dumbo (1941) y Bambi (1942).

En 1940, el staff de Disney incluía más de mil dibujantes, animadores, guionistas y técnicos. Durante la Segunda Guerra Mundial, la mayor parte del equipo fue tomado prestado por el gobierno de los Estados Unidos para producir animaciones de propaganda y diversas películas del Servicio Militar. Así, la planta de producción de Walt Disney fue ocupada para estos fines, llevándolo casi a la ruina. En el dibujo animado Los Tres Caballeros, en el año 1945, Disney combinó por primera vez la acción real con animaciones, un proceso que continuó utilizando exitosamente en películas como Canción del Sur o la super aclamada Mary Poppins. Prácticamente finalizada la década de los cuarenta, Disney puso en marcha 18 nuevos proyectos, entre ellos Cenicienta (1950), Alicia en el país de las maravillas (1951) y Peter Pan (1953).

El 15 de diciembre de 1966 moría el dibujante y cineasta estadounidense víctima de cáncer, y aún hoy existen muchas leyendas urbanas respecto a su persona. Un repetido rumor asegura que Disney era un emigrante europeo, probablemente español, que llegó a los Estados Unidos y que, más tarde, por temor a suspicacias, falseó su origen. También han sido mitificadas las circunstancias de su muerte: muchos creyeron que Disney había sido congelado con modernas técnicas de hibernación. Así, su cuerpo aún permanecería en estas circunstancias con las constantes vitales suspendidas, a la espera de un futuro en que pudiese despertar y nuevos procedimientos quirúrgicos reparasen su salud. No ha de extrañar, sin embargo, toda esta mezcla de realidad y fantasía alrededor de quien pasó a la historia de la cultura occidental como uno de los más prolíficos, contradictorios e influyentes cultivadores de la imaginación infantil de todos los tiempos. Con su fallecimiento, entraba en la leyenda uno de los nombres fundamentales de la cultura popular del siglo XX. Tras muchos candidatos para sucederle en el cargo, sólo el productor ejecutivo Michael Eisner demostraría ser un digno sucesor suyo.

Después de años de mucha producción y pocos éxitos destacables, los estudios Disney volvieron a ser los reyes del género de dibujos animados con La bella y la bestia (1991), Aladdin (1992) y El Rey León (1994). Sus proyectos hasta la fecha han continuado tomando forma sin él, concretándose y expandiéndose, y, ciertamente, es imposible imaginar un mundo sin su obra y sin los medios y avances que trajo al mundo de la técnica cinematográfica y de animación, además de al mundo de la creatividad artística y, sobre todo, a la infancia (y más allá también) de cada uno de nosotros.

Aquel día dejé de ser el reflejo de mis escasos triunfos pasados y empecé a ser mi propia tenue luz de este presente; aprendí que de nada sirve ser luz si no vas a iluminar el camino de los demás.
Aquel día decidí cambiar tantas cosas...
Aquel día aprendí que los sueños son solamente para hacerse realidad.
Desde aquel día ya no duermo para descansar... ahora simplemente duermo para soñar.

Traición, de Scott Westerfeld: ¿Cuerpo sano o mente sana?

2011-12-10T21:50:00.002+01:00

Traición es el primer libro de una saga escrita por Scott Westerfeld, el cual nos enseña por medio de la ciencia ficción un mundo donde a partir de los dieciséis años se ha de pasar por una operación para que todos se conviertan en Perfectos. Los Perfectos son aquellos que han sufrido cambios en su cuerpo gracias a esa operación que provoca que todos tengan las mismas características físicas, haciendo que el problema del racismo quede erradicado.

Son felices, y viven como quieren, y eso es justo lo que quiere vivir Tally, nuestra protagonista, ya que no sólo quiere ser guapa, sino que su mejor amigo, Peris, ya es un Perfecto y quiere reunirse con él.

[Portada de Traición]

Lo más curioso del libro es en la aventura que se sumerge la protagonista casi sin quererlo. Ella tenía muy claro lo que quería, pero las cosas se torcieron al conocer a Shay, la que iba a ser su mejor amiga. Ella le muestra que están todos equivocados, que ser Perfecto no es lo mejor, sino un modo de ser aburridos e iguales, sin dar opción a elegir, y que ella queria ser Imperfecta y vivir en un lugar llamado Humo. Ambos personajes chocan mucho en sus ideales, y por ello finalmente escojen dos caminos diferentes.

Pero el camino de Tally no es como lo hubiese querido, puesto que Circunstancias Especiales la reclama, diciéndole que saben qué está pasando, y le piden que, a cambio de operarla, debía traicionar a su amiga.

Es una historia curiosa, con unos toques de emoción, pero creo que mejora a partir de la página 250, que es cuando el personaje tiene más carisma y la historia coge fuerza. Mientras, se me hizo una lectura lenta y algo forzada.

[Autor de la saga]

Es la parte del Humo lo que más puede llamar la atención, ya que hacen cosas que en la actualidad son medianamente normales, y Tally lo considera abominable. Es curioso ver el cambio de pensamiento que hay en una persona que está extremadamente consentida e influida por un mundo muy tecnológico.

Un punto a favor que le pongo a la historia es que los personajes relevantes no son perfectos. Es decir, que la chica no es un bombón que todos desean, ni el chico es una persona misteriosa de bonitos ojos y cuerpo que quita el hipo. Por fin puedo leer a un personaje bizco, otro con gran frente, y hasta con granos si me apuras. Son más reales y, por ello, más cercanos.

Una curiosidad del libro es el riesgo que tiene la operación que nadie menciona. No voy a decir concretamente de qué se trata, pero os lanzo una pregunta: ¿preferís tener un cuerpo sano o una mente sana?

John Lennon, el artista que imaginó la paz

2011-12-08T12:21:00.004+01:00

Decía John Lennon que la vida es lo que te sucede mientras haces planes. Fue así como, trágicamente, se los arrebataron. Murió tiroteado víctima de un fanatismo loco, aunque su música sigue perdurando en el panorama internacional. Lennon hace ya 31 años que dejó este mundo, un hecho que no afecta al recuerdo de sus seguidores, que todavía hoy le recuerdan como el primer día. Hoy, en el aniversario del fallecimiento del genio de los Beatles, cientos de personas se reunirán en su residencia de Central Park, lugar donde un fan de 25 años, David Chapman, le disparó a bocajarro el 8 de diciembre de 1980, acabando así con la vida del gran artista británico.

Lennon nació y creció en Liverpool, donde, siendo adolescente, se familiarizó con el género musical skiffle, formando la banda The Quarrymen, que posteriormente se convertiría en 1960 en el conocido grupo The Beatles. El término provenía de un juego de palabras inventado por el propio Lennon; el grupo de acompañamiento de Buddy Holly se llamaba The Crickets (saltamontes) y John se inspiró en ellos para mezclar el término musical beat, característico de toda una generación, y la palabra beetles (escarabajos). Con la incorporación como batería de Ringo Starr en 1962, el grupo ya estaba completo y preparado para hacer frente a lo que se avecinaba: una impresionante vorágine de triunfo y éxito. Sus canciones, editadas por el sello EMI, empezaron a ocupar las primeras posiciones de las listas de ventas. Los conciertos de los Beatles provocaban escenas de histeria entre las groupies y la policía se veía incapaz de contener a la juvenil masa obsesionada por sus ídolos. La beatlemanía se difundió con fuerza por Europa, luego por Estados Unidos y más tarde llegaría al resto del mundo.

George Harrison, John Lennon, Ringo Starr y Paul McCartney, míticos componentes de The Beatles

Las piezas de los Beatles, compuestas en su mayor parte por John y Paul, se caracterizaban por los hallazgos melódicos y armónicos, dentro de lo que después se ha llamado el sonido Liverpool. Además, los miembros del grupo se distinguían por un nuevo estilo en la indumentaria y aspecto, además de una actitud alegremente desafiante, protagonizada en especial por Lennon. Un buen ejemplo de ello lo podemos encontrar en las conferencias de prensa y las entrevistas, en las que aquellos muchachos tomaban el pelo a sus interlocutores y se manifestaban como tipos ingeniosos, divertidos y despreocupados.

Dentro del grupo, Lennon ejercía de rebelde con inquietudes y era, sin duda, el más incisivo de los componentes. Después de ser nombrados, en 1965, Caballeros de la Orden del Imperio Británico, John desencadenará una escandalosa polémica con una de sus célebres frases: «Los Beatles son más populares que Jesucristo».

Triunfos drogas, disputas y reconciliaciones se sucederían a lo largo de los años sesenta. Tras todo el éxito cosechado, la banda comenzó poco a poco a desintegrarse, hasta su posterior disolución. Problemas financieros, celos artísticos entre John y Paul, deseos de crear sin el lastre de acomodarse al grupo... todos estos elementos decretaron el fin del conjunto en abril de 1970. Lennon pronunciaría así el epitafio del grupo y de la llamada década prodigiosa con otra frase escueta y expresiva: «El sueño se ha acabado».

Toda una imagen cliché del grupo, cuya notoriedad ha llegado hasta nuestros días, llegando a tener una multitud de imitaciones

A principios de esa misma década, Lennon contrajo matrimonio con la inquietante y enigmática japonesa Yoko Ono, además de iniciar su carrera como solista, marcada por varios álbumes aclamados críticamente, incluyendo John Lennon e Imagine, y canciones que se conviertieron en todo un himno como Give Peace a Chance o Imagine. Con Yoko había formado la Plastic Ono Band y con ella también publicó una docena de discos de un notable éxito, dejando patente su ya conocido talento como compositor.

Durante toda su vida demostró un carácter rebelde y un ingenio mordaz en la música, el cine, la literatura y el dibujo, además de las conferencias de prensa y entrevistas. También fue polémico debido a su activismo por la paz, unido por la causa junto a su esposa Yoko Ono.


Lennon junto a su esposa Yoko Ono

En 1971, se mudó a Nueva York, donde su oposición a la guerra de Vietnam dio lugar a numerosos intentos por parte del gobierno de Richard Nixon para expulsarlo del país, mientras que sus canciones fueron adoptadas como un canto para el movimiento contra la guerra. Después de su autoimpuesto retiro de la industria musical en 1975 para dedicar todo el tiempo a su familia, Lennon volvió a resurgir en 1980 con un álbum de regreso, Double Fantasy, aunque, desgraciadamente, sería asesinado tres semanas después de su lanzamiento.

Imagine, el clásico más conocido de Lennon. Todo un canto a la paz y a la libertad del ser humano.

Se cumple hoy un aniversario de una gran y trágica pérdida para el mundo de la música. Sin duda, para siempre quedará el recuerdo de ese soñador que nunca perdió sus ganas de luchar por aquellos nobles ideales que defendía, por esa paz que no llegaba. Un mensaje que aún hoy deberíamos replantearnos más a menudo.

40 el Musical, arranca su esperada gira

2011-12-06T18:00:00.104+01:00

40, el Musical arranca su esperada gira alrededor de nuestro país, en la que recorrerá todos los puntos de la geografía española hasta el próximo año. La historia gira en torno a un grupo de amigos veinteañeros, obligados a enfrentarse a sus vidas y a sus conflictos, a asumir que ya no son unos adolescentes y a afrontar que tienen que elegir el camino a seguir. El protagonista del musical, Joaquín, cuyo personaje es interpretado, entre otros actores del elenco, por el ex-concursante de la primera edición de Operación Triunfo, Naim Thomas, inicia un radioblog en internet en el que se dedica a airear las intimidades de sus amigos. Con el poder que otorga la unión de la música y la radio para modular y amplificar emociones, intenta ayudarles a tomar decisiones en su camino hacia la madurez, aunque finalmente acabe provocando más caos y confusión alrededor de todos ellos.

En este musical se desarrolla un programa de radio, pero este no es un musical sobre la radio. Es una comedia romántica con toques dramáticos, en la que la amistad, la lealtad, el amor, la emoción y sobre todo el humor comparten protagonismo con la música a lo largo de dos horas y media de duración, organizadas en dos actos.

La banda sonora, interpretada en riguroso directo, incluye casi cien canciones, ya sean completas o fragmentos, elegidas de entre los mayores éxitos de la música española e internacional.

Personajes de 40, el Musical

Chema: Formal, tímido, apocado. Licenciado en Derecho y becario en un bufete de abogados. Vive adormilado, dejándose llevar por una rutina diaria que no le gusta, pero de la que es incapaz de salir, incapaz de reaccionar ante sus propios impulsos y enfrentarse a sus verdaderos y ocultos deseos. Y, encima, tiene un trabajo extra aún peor pagado y más exigente: su novia Laura.

Laura: Está opositando a funcionaria de prisiones. Tiene cierta querencia a mantener a la gente a raya, especialmente a su novio, Chema. Tras ocho años juntos, Chema siempre ha vivido sometido a ella, secuestrado emocionalmente, además de mantenerse vírgenes hasta el matrimonio.

David: Es neurótico, obsesivo-compulsivo, hipocondríaco y pulcro hasta rayar lo psicótico. Ahí fuera, en la calle, todo y todos suponen una amenaza para él. Además es metrosexual, pasándose horas arreglándose. Una joya que trae un poco loca a su hermana y compañera de piso, Alex.

Álex: Todo lo contrario que su hermano David. Heavy-grunge, bohemia y despreocupada. Se esconde detrás de una apariencia desaliñada y descuidada que evita apreciar su enorme belleza. Incapaz de comprometerse en el amor, no le duran los novios más de una semana. Posee un gran talento para la música, pero al igual que su hermano, está exenta de motivaciones.

Arturo: Padre de Alex y David. Empresario crápula, rico, oportunista, e hijo de la cultura del pelotazo. Tras haber estado misteriosamente desaparecido varios años regresa a la vida de sus hijos con la intención de quedarse a vivir con ellos para recuperar el tiempo perdido, algo que, inevitablemente, deparará caos y conflicto a la armonía familiar.

Joaquín: Reflexivo, inteligente, conciliador y tranquilo. Recién salido de la Facultad de Ciencias de la Información, vive por y para la radio. Desde su propia habitación conduce un programa de radio que emite a través de internet, centrado en dar a conocer las alegrías y miserias de su entorno más cercano, es decir, sus amigos.

Mateo: Hermano de Joaquín. Es guapo, juerguista, aventurero, deportista y todo un embaucador experto en no asumir responsabilidades. A pesar de ser mayor que Joaquín, se muestra mucho más inmaduro y caprichoso que él, quien a menudo es el encargado de cubrirle las espaldas.

Sara: Mejor amiga de Joaquín desde el colegio. Entre ellos siempre ha habido una complicidad muy especial. Comprometida, alegre, vital, sensible, inteligente y atractiva. Es profesora en un colegio de primaria dedicado a niños problemáticos. Tiene cierta tendencia a vivir rodeada de conflicto, pero siempre con el optimismo de creer que un mundo mejor es posible. Tal vez por esta razón sigue empeñada en sacar adelante su relación con Mateo.

Repitiendo la exitosa fórmula del espectacular musical Hoy no me puedo levantar, el musical 40, el Musical, basado en las canciones más populares y escuchadas en la emisora de radio Los 40 Principales, consigue entretener, divertir y emocionar a muchos de los seguidores de este tipo de música, la cual ha estado presente a lo largo de muchas etapas de nuestras vidas.

Mateo y Sara, dos de los protagonistas, en una de las escenas románticas del musical

La trama es sencilla y directa; varias historias de amor y sentimientos que se entrelazan, se unen y se acaban enredando entre ellas, siguiendo tras de sí una maraña de situaciones que permiten ir intercalando las canciones más conocidas de la emisora en el momento oportuno, acompañadas casi siempre de estilismos, coreografías y un despliegue de efectos de lo más acorde a la situación.

Un punto a destacar de este musical serían las canciones elegidas, las más conocidas de la emisora cuyos artistas han tenido destacada importancia para la misma. Podemos deleitarnos escuchando temas de todos los tiempos, de muchos y variados artistas y, en ocasiones, increíblemente ambientados y coreografiados, a lo cual también nos tienen acostumbrados en este tipo de musicales.

Despedida de los actores protagonistas de 40, el musical en la función de Granada

Es posible que, haciendo balance de las canciones escogidas, algunos artistas puedan aparecer en más ocasiones que otros, pero hay que tener en cuenta que la emisora tiene muchos años a sus espaldas y sería muy complicado hacer una selección para un musical de menos de tres horas de duración.

Destacan varios momentos de la historia gracias a su carga emocional y perfecto trato y conexión entre los personajes. Un claro ejemplo es el brillante momento del tema Bienvenidos de Miguel Ríos, grandiosa y vibrante escenografía que consigue hacer disfrutar al patio de butacas para acabar en un estruendoso aplauso. También, el emotivo recuerdo a Antonio Flores, cuando Mateo es el encargado de interpretar el tema Siete vidas que hace emocionar a los presentes en una íntima e impresionante actuación, o el contexto y desarrollo del tema Sin miedo a nada, de Alex Ubago y Amaia Montero, que hará poner la piel de gallina al espectador en un cúmulo de sensaciones y sentimientos que despiertan los protagonistas del especial momento.

Joaquín presentando su programa de radio-blog para todos sus oyentes

MB y LJ tuvieron la oportunidad de asistir al musical en su paso por la ciudad de Granada, en la que dicho espectáculo estuvo presente desde el 10 al 13 del pasado mes de noviembre. Aquí podréis leer sus impresiones y sensaciones acerca de 40, el musical.

MB: El musical en escena, la emisora de radio y toda su música comparten protagonismo con emociones como la lealtad, el amor, el deber, la tentación, los celos y, ante todo, la amistad entre un grupo de jóvenes que buscan su lugar y la oportunidad de encauzar sus vidas. Una historia que no pierde la ocasión de hacernos reír con sus continuos e ingeniosos toques de humor ni tampoco con la aparición de una canción idónea para el momento adecuado, al igual que es capaz de emocionarnos con su dinamismo a la hora de narrar cada hecho, desarrollándolo de forma dramática, esperanzadora o romántica con suma agilidad. Todo ello supone continuas sorpresas para el público, ya que el espectáculo es capaz de envolver a los presentes para adentrarnos en la conducta de cada personaje y poder sentir sus vidas como si fueran reales.

Mateo, Joaquín y Sara despidiéndose del público granadino

LJ: Son pocos los musicales a los que he podido acudir, pero este ha sido diferente a los que he visto en el pasado. Para comenzar, se trata de una historia muy dinámica que entrelaza diferentes historias que sólo comparten a los personajes, pero que contienen tramas diversas y que consigue, de esta forma, llegar al público con cualquiera de ellas. Todas comparten un punto en común: el amor en todos sus aspectos. La cuestión es que, al dividirse en tantos apartados, todo transcurre de forma veloz, pasando de momentos alegres y movidos a otros de carácter más serio o triste, sufriendo lo que podríamos denominar un aluvión de emociones encontradas.

Se hace complicado no sentir empatía por alguno de los personajes que hay en escena, pese a que la mayoría sufren un estereotipo marcado desde el principio, pudiendo observar una ligera evolución a lo largo del musical. Y la mayoría de los acontecimientos se pueden intuir antes de que se mencionen, siendo una historia predecible, pero que no pierde en emotividad. Sin duda, es un espectáculo con el que disfrutar y entretenerse, para empatizar con los personajes sin esperar una gran historia original. Se aseguran momentos lacrimoso como divertidos, acompañados por los grandes éxitos del pop español e internacional que han sido número uno de los 40 Principales, por lo que, en parte, está compuesto por esas canciones que también habrán acompañado momentos de nuestras vidas o de las personas que nos rodean.

No perdáis la oportunidad de verlo, pues tendréis un entretenimiento asegurado en un formato que combina luces, música y actuación con humor y drama a partes iguales.

Los próximos destinos de la gira del musical serán Burgos (del 7 al 11 de diciembre), Alcoy (del 15 al 18 de diciembre) y Valencia (del 22 de diciembre al 29 enero). Si queréis más información sobre 40, el musical, saber cuándo pasará por vuestra ciudad y cómo conseguir vuestra entrada, podéis acceder aquí para enteraros de todas las novedades del musical más exitoso actualmente en nuestro país.

Noticias: Próximamente en BdC

2011-11-30T18:00:00.056+01:00

Castillo de San Miguel (Almuñécar, Granada). Foto de LJ.

El mes de noviembre se despide tras grandes avances en el blog. Seguimos intentando superarnos y pensamos que lo hemos conseguido, tanto en visitas como en entradas. Hagamos un balance.

A mediados de mes, exactamente el día 16, alcanzamos la cifra de 10.000 visitas, alcanzado este número tan sólo cuatro meses después de comenzar a publicar entradas de forma activa. Ahora cerramos el mes con más de 12.000 visitas y habiendo conseguido superarnos por cuarto mes consecutivo en las visitas mensuales, más de 4000 visitas en un mes, lo que establece un récord de diferencia con respecto al mes anterior, más de 1000 visitas de diferencia. Este hecho nos reporta la satisfacción de conseguir el interés por nuestro blog y, por tanto, por la cultura y los temas de ocio que exponemos en él. Además, ha aumentado el número de seguidores hasta 37 en el blog y 71 en nuestro Twitter, incrementándose también el número de comentarios en nuestras últimas entradas, ¡aunque seguimos esperando que comentéis más! Nuestro principal propósito, además de publicar diferentes artículos culturales, es la comunicación con las personas que nos siguen y que están interesados en lo que mostramos. Conocer a nuestro público nos servirá también para ampliar horizontes, llegar a nuevos proyectos que estén emergiendo y poder exponer nuevos contenidos en los que no habíamos pensado antes. Por ello, os animamos a comentar y a sugerir. En definitiva, a dar vuestra opinión.

Los clásicos literarios están presentes en BdC. Foto de LJ.

Sobre las entradas de este mes, comenzamos tras el ciclo dedicado a Halloween de finales de octubre, y hemos disfrutado de una variedad temática en todo este mes, sin centrarnos en ningún apartado en concreto, como ya sucedió con la música. Quizás por este hecho, hemos acabado con la tendencia de disminuir la cantidad de entradas por mes, consiguiendo el mismo número de entradas que en septiembre. Además, consideramos que la calidad ha mejorado respecto a nuestros inicios y que cada semana hemos presentado al menos una entrada relacionada con la literatura y otra con la música. También hemos vuelto a hablar de cine y, por supuesto, de publicidad.

En concreto, hemos disfrutado el retorno de la sección Clásicos Inolvidables, que ya se dejó ver a finales de octubre con el Cantar del Mío Cid, y que en este mes ha tenido entradas del Libro del buen amor y de las Coplas a la muerte de su padre. Pero no todo ha sido obras clásicas, también reseñamos obras tan recientes como La soledad de los números primos y Nivaria, de nuestro querido Óscar. En el aspecto musical, hemos descubierto dos grupos diferentes: Versus the robot! y La ceremonia del té, además de echar una mirada al pasado con una reseña sobre Pink Floyd. En cine, y siguiendo con una anterior entrada sobre Michael Nyman, hablamos de El Piano y de Los chicos del coro; y también del musical de Sweeney Todd, que fue adaptado por Tim Burton. En publicidad, destacamos las dos entradas de la sección Antes y después, donde expusimos los polémicos anuncios de United Colors of Benetton y opinamos sobre la cadena de tiendas Primark.

Agradecimiento de Óscar R. Arteaga por nuestra reseña sobre Nivaria

Agradecimiento de Midori por el banner que le hizo MB

Dentro de nuestro blog, hemos añadido una nueva página dedicada a nuestros Afiliados y donde hemos añadido un banner de cada uno así como una breve descripción. En este aspecto, hemos aumentado también el número de páginas amigas, entre las novedades encontramos Hello Friki, una revista digital que os puede resultar interesante, Romance, el blog personal de Anna Soler, autora de obras románticas de sello propio, o Sonata de tinta, el nuevo proyecto de blog personal de nuestra colaborada Debi. No puedo dejar escapar la mención especial a MB, que ha dedicado un gran esfuerzo en esta sección para realizar los banners de los diferentes afiliados que no dispusieran de una imagen para tal fin, además de haberse encargado de diseñar los de Baúl del Castillo. Por otra parte, si quieres publicitar nuestro blog a través de Facebook o Twitter, ahora lo tienes más sencillo con los enlaces que hemos puesto en la columna de la derecha, bajo el título ¡Compártelo!

De nuestros propósitos para noviembre, algunos se han quedado en el tintero y esperamos recuperarlos para diciembre, un mes que dedicaremos, por otra parte, a la Navidad, realizando un breve ciclo de entradas relacionadas con este temática. Por otra parte, intentaremos reseñar el disco, el musical y el proyecto literario que se quedaron en el tintero y realizaremos nuevas entradas sobre clásicos literarios, música y cine, aunque no os puedo adelantar demasiado. A finales de enero de 2012 haremos una pausa por cuestiones académicas, pero seguiremos publicando entradas hasta mediados de mes para regresar a mediados de febrero. Y esperamos volver con novedades tras el año nuevo.

Banner hecho por MB

Por cierto, antes de despedirme y en relación a cosas nuevas, debemos dar la enhorabuena al dúo Sortilegio, que tiene nuevo proyecto musical, el que será su cuarto disco, y nuevo proyecto vital. Os dejamos el adelanto de ambos en el vídeo que ellos mismos publicaron en Youtube con una canción del nuevo disco.

Esperando no haberme dejado nada en el tintero, un estimable saludo, el administrador

L.J.

"¡Feliz, feliz Navidad, la que hace que nos acordemos de las ilusiones de nuestra infancia, le recuerde al abuelo las alegrías de su juventud, y le transporte al viajero a su chimenea y a su dulce hogar!"

-Charles Dickens

Un antes y un después (VIII): Primark, ¿un low cost de calidad?

2011-11-29T21:00:00.002+01:00

Primark es una cadena de tiendas de moda procedente de Irlanda. Perteneciente al grupo Associated British Foods, la empresa está especializada en ropa y complementos a precios muy competitivos. La mayoría de prendas que venden se fabrican exclusivamente para la marca, pero también se comercializan prendas outlet de otras marcas.

En 1969 se abrió la primera tienda del grupo en la calle Mary Street de Dublín, recibiendo por aquel entonces el nombre de Penneys. En menos de un año se inauguraron cuatro tiendas más en el área de la capital irlandesa, y en 1971 se abrió el primer local en la ciudad de Cork. Dos años después, el grupo llegó a Reino Unido con el actual nombre Primark, donde fue expandiéndose con el paso de los años. En 2000, Primark aprovechó la retirada de C&A del mercado británico para adquirir sus locales, lo que le ayudó a instalarse en la zona y a ocupar más de cien establecimientos.

Desde 2006, Primark ha iniciado un plan de expansión internacional en el continente europeo, que comenzó con la inauguración de una tienda en un centro comercial de Madrid, donde contó con buena aceptación. En nuestro país, la estrategia prendas de calidad a preciso bajos funcionó. En 2007, se inauguraron tiendas en Murcia, Jerez y Madrid, y otro abanico de ciudades como Oviedo, Zaragoza, Barcelona, Bilbao, Málaga, entre otras, fueron abriéndose paso. La cadena cuenta a día de hoy con más de veinte tiendas en territorio español y busca nuevas zonas para consolidar su presencia en el país en los próximos años.

Primark Málaga, inaugurado el pasado 26 de octubre de 2011

Con 170 tiendas en Reino Unido e Irlanda, donde todavía mantienen el nombre original Penneys, la compañía lidera el sector de la moda económica. “Salir al extranjero era la única vía de expandir el negocio. Apostamos por España y descubrimos que había estrecha similitud entre el comercio irlandés y español, además de un gran potencial en el desarrollo de superficies comerciales. El éxito fue excepcional”, recuerda Geoff Lancaster, portavoz de Primark en Londres.

De la expectación generada inicialmente se pasó al desarrollo. En 2009, la compañía también ha abierto negocios en Portugal, Países Bajos, Alemania y Bélgica. En ese mismo año, la empresa sufrió una renovación en todos sus cargos directivos por el abandono de Arthur Ryan, fundador de la misma. Además, en Inglaterra, Primark experimentó una ligera bajada en las ventas de ropa de mujer, incrementándose, por el contrario, las ganancias en calzado y accesorios para el hogar en el resto de tiendas de diferentes países.

Al año siguiente, y también en Inglaterra, Primark sufrió una seria polémica. El grupo se vio obligado a retirar del mercado una línea de bikinis con relleno en el pecho destinada a niñas de alrededor de siete años. Un aluvión de críticas recibidas fueron las responsables de esta retirada, respaldada por la Sociedad de la Infancia Británica, la cual defendía que Primark promovía la "sexualización prematura a través de todo tipo de mensajes de corte publicitario".

Pero esta no es la única polémica a la que el grupo textil ha tenido que hacer frente. La cadena de televisión británica BBC denunció el supuesto uso de mano de obra infantil procedente de la India. El canal se vio obligado a pedir disculpas por la emisión de esas escenas, ya que reconoció haber manipulado una escena del documental en cuestion en detrimento a Primark. Tras este reportaje de investigación, la empresa de ropa despidió a tres de sus proveedores de la península índica.

“No pretendemos competir con Inditex en estilo ni precio. Tampoco con firmas más económicas como C&A. No deben sentirse amenazados. Estamos cubriendo con éxito un hueco que había en el mercado español. Nuestro producto es único en España en precio y calidad”, advierte el director de comunicación.

Es cierto que el lema Look good, pay less está siendo todo un éxito dentro y fuera de nuestras fronteras. Precios modestos y una calidad razonable atraen a adolescentes y adultos a las tiendas de Primark. ¿La clave? No necesitan grandes inversiones en promoción y publicidad; la diferencia de precios respecto al resto de las firmas supone su reclamo principal. Sin embargo, su posicionamento atrae una atención de los medios nada favorable, como ya hemos podido destacar. Personalmente, no es un establecimiento en el que pueda encontrarse prendas de un gran estilo y de un corte inigualable, al igual que tampoco su calidad es otro punto destacable. Es evidente que en una tienda de unas dimensiones considerables como es el caso de Primark acabaremos encontrando algo que sea acorde con lo que buscamos, pero es esa característica la que también a veces puede jugar en su contra. Ropa y todo tipo de accesorios mezclados entre sí, ocupando secciones que no se corresponden son algunos de los inconvenientes. Un hecho que nos acaba recordando a un mercadillo de pueblo que conforme pasan los minutos se va convirtiendo en un auténtico desorden y en todo un caos de montañas de ropa.

Sin duda, Primark es una marca cuyas prendas y complementos podrían considerarse de usar y tirar; si bien, éstos podrían sacarnos de cualquier apuro en cualquier situación y a un precio bastante asequible. Un sentido práctico que, hoy día, prima más en el comprador que cualquier otras características como el estilo, la elegancia o la calidad que nos podrían proporcionar cualquier otra firma con precios más elevados.

La soledad de los números primos, de Paolo Giordano

2011-11-29T17:00:00.007+01:00

Una historia con comienzos bastante duros, La soledad de los números primos, de Paolo Giordano nos pone bajo la piel de dos personajes con historias complejas, que dejarán al lector desde el primer momento en que lo coja enganchado al libro que tiene entre sus manos; atrapado por el ansia de saber cómo acaban.

Portada de la versión italiana

Publicada en 2008 por un desconocido autor como era Paolo Giordano, se convirtió en uno de los libros más vendidos el año de su salida, siendo el primero en las listas de lengua italiana. Varios de los factores que componen la obra fueron recopilados en internet por el autor, como la portada, que encontró en la página web Deviant Art, así como la definición de los números primos, que consultó en Wikipedia. No obstante, estos hechos no impidieron que lograra, mediatne una prosa indudablemnte fresca y un acercamiento a los personajes innegable, alzarse con varios premios nacionales de literatura, como el Campiello a la mejor Opera Prima, el Premio Fiesole Narrativa Under 40 y el Premio Strega, siendo este último la persona más joven en recibirlo, con 26 años.

Paolo Giordano, autor de la novela

La historia se desarrolla centrada en dos personajes principales: Alice y Mattia. La primera es una joven que, al principio, estuvo a punto de perder la pierna, aunque en el estado en el que está, era casi como tenerla muerta. En su evolución, se va viendo que es una chiquilla superficial, que se deja influir demasiado por lo que dirán los demás, sobre todo si se tratan chicas del instituto. Mattia, por su lado, era un niño normal, que tenía una hermana melliza con problemas mentales. En un intento desesperado por integrarse en la sociedad en un cumpleaños infantil, abandona a su hermana en el parque tanto por el miedo a que haga algo como a la vergüenza que le provoca. A su vuelta, su hermana había desaparecido, provocando que Mattia creciera con esa culpa en su interior, encerrándose en sí mismo. Por otra parte, es un experto en matemáticas, factor importante en la novela.

Leyendo esta descripción de personajes, uno puede llegar a pensar en cómo pueden estar conectados ambos personajes pertenecientes a mundos tan dispares. La respuesta es tan simple como un instituto, misma clase, y una fiesta juvenil. El acercamiento entre ambos hace que Alice sienta que puede conseguir que el muchacho se acerque más a ella, que se abra y exprese sus emociones. Sin embargo, no es así. Nunca es así. Y en eso se basa la novela, en los dos protagonistas como números primos que nunca lograrán alcanzarse, separados por un número par.

Portada de la película que adapta la novela

Y ese es el fallo que le veo a la historia. Tiene un gran desarrollo, que te deja con la boca abierta y con ganas de saber qué pasará más adelante: si Mattia consigue superar lo de su hermana o consigue abrirse a la sociedad gracias a Alice. Por parte de la chica, esperaba poco de ella, puesto que es un personaje que, teniendo en cuenta su desarrollo, podría ser más un apoyo para el gran final de Mattia que como historia individual. Sin embargo, la cosa queda un poco en el aire.

Una técnica muy buena de escritura, sí, pero un argumento que no me parece que esté lo suficientemente bien acabado como para llegar a cogerle cariño al libro. Puede que haya personas que digan ¿y cuál es el final perfecto, que se casen y sean felices? No es necesario llegar a ese extremo, pero hubiera sido más eficaz un final más humano. Independientemente de que mantengan una relación o no, Alice podría haber acabado más apegada a Mattia para ver una pequeña evolución sentimental en él, aunque fuese cariño fácilmente reconocible para él.

Alba Rohrwacher y Luca Marinello caracterizados como Alice y Mattia

Sin embargo, el final es menos cercano para el lector. Si queréis saber cuál es, ya que no os lo habéis leído... ¿a qué esperáis? Adentráos en La soledad de los números primos, y juzgar por vosotros mismos.

[Crítica realizada por Debi, con colaboración de LJ]

Russian Red: En boca del pintalabios

2011-11-27T17:53:00.004+01:00

Uno de los estilos que se ha ido perdiendo en este siglo ha sido el indie. Pero una joven madrileña ha conseguido despertar la llama de ese estilo, consiguiendo muchos seguidores. Hablo de Lourdes Hernández. ¿No os suena ese nombre? Será porque tal vez la conozcáis por el pseudónimo de Russian Red, nombre que tomó de su pintalabios predilecto.

Su carrera artística empezó a estar activa en 2007. Sus comienzos fueron un poco caóticos desde un punto de vista académico. Se puso más al día del mundo de la música cuando accedió a la Universidad de Madrid. En primer lugar, iba a estudiar Derecho, pero lo dejó en el primer cuatrimestre, centrándose un poco más en la música. Al año siguiente quiso hacer Traducción e Interpretación en la misma comunidad autónoma, pero decidió pasar al poco tiempo y centrarse plenamente en su carrera musical.

Aunque se centró, lo que de verdad la ayudó a impulsarse fue su relación con Brian Hunt, con el que grabó una maqueta y recibió más de 700.000 visitas en la red social de Myspace. Eso le dio muchas fuerzas y ánimo para seguir adelante.

Luego conoció a Fernando Vacas, un productor. Tras escucharla, le propuso grabar un disco en la compañía discográfica que dirigía, y accedió. Ahí surgió su primer disco, I love you, glass.

Desde entonces ha ganado fama entre el público. No ha grabado más de dos discos, y aun así sus canciones gustan y sus conciertos son muy vistos por la gente, ya sea porque la voz les atrae o por el sonido de su guitarra.

Personalmente no le pondría una nota muy elevada. Su técnica vocal es bastante escasa y no tiene una buena dicción, incluso se nota un poco por el micrófono. La guitarra tiene un buen sonido, sugerente, pero poco más. Aún así, hay que reconocer que, para alguien que tiene su preparación musical, es un nivel aceptable, y bastante loable.

Ha tenido canciones que han participado como bandas sonoras:

Nice Thick Feathers: en el anuncio de Häagen Dazs en 2008
Cigarettes: en la película Camino en 2008
No Past Land: cabecera de la serie Cazadores de hombres en 2008
Loving Strangers: en la película Habitación en Roma en 2010

Y para finalizar, he de mencionar que, me guste o no, me alegra ver de que hay gente reconocida en España, pese a hacerlo en inglés, que cante indie y folk. Son dos estilos que se han ido perdiendo en el siglo XXI, y es una verdadera pena, porque es un tipo de música que llega al alma de todo aquel que la escucha.

Nivaria, de Óscar R. Arteaga

2011-11-23T22:05:00.001+01:00

Nivaria es la primera novela publicada de Óscar R. Arteaga y a la que dedicamos en el pasado un entrada en la sección Descubriendo y una noticia sobre su publicación en nuestro afán por difundir esta clase de eventos culturales. Ahora, tres meses después de la publicación del libro y tras conseguir nuestro propio ejemplar a través de la editorial Círculo Rojo, encargada de la novela, queremos dedicar esta entrada a comentar esta obra de nuestro amigo gaditano.

Óscar, autor de la novela

Óscar R. Arteaga es un autor novel que comenzó a publicar textos online en su blog personal Noah's Noteblog continuando con la pasión por la lectura y la escritura que había mantenido desde niño. Nacido en la Línea de la Concepción (Cádiz), ha visitado muchos rincones de la geografía española y de Marruecos por motivos familiares y laborales. Estos viajes forman parte de Óscar, tal y como refleja en su primera novela. Con esfuerzo e ilusión consiguió su propósito de publicar Nivaria este año, con lo que inició un acercamiento a través de la red con sus lectores, comenzando con un blog dedicado a la novela y a través de las redes sociales de Twitter y Facebook. Precisamente fue mediante estos recursos por los que conseguimos información de este proyecto que nos resultó interesante y gracias a los cuales establecimos un contacto continuo con las noticias relacionadas con esta obra.

La novela, como señalábamos anteriormente, fue publicada a finales de agosto de este año y presentada en la Feria del Libro de Palencia el 2 de septiembre. Nivaria nos narra la historia de la fotógrafa Mara Saldaña Pinto, una joven profesional a la que acompañaremos en los momentos más importantes de su vida, especialmente aquellos que ocurrieron durante su estancia en las islas Canarias, que marcaron su futuro y que son el eje central de la obra de Óscar. También visitaremos lugares como Lisboa, Palencia o Marruecos y veremos el mundo a través del objetivo de Mara, nuestra guía perdida en esta historia.

Nuestro ejemplar

De esta forma, quiero comenzar una crítica personal en la que no desvelaré los sucesos de la trama.

Cuando comencé la lectura de esta novela observé lo mismo que había leído tiempo atrás en el adelanto que Óscar había publicado en su blog personal y que correspondía a los primeros capítulos de la obra, por lo que fue un repaso a lo conocido antes de sumergirme en la historia completa. Según avanzaba noté que era necesario separar tres ideas definidas: la estructura, la forma y el contenido.

Nivaria está estructurada mediante flashbacks, comenzando la historia in media res con la escena de nuestra protagonista esperando un tren y recordando los acontecimientos que cambiaron su vida. Estos hechos serán narrados en los capítulos pares de la obra, donde observaremos a Mara recién llegada a las islas Canarias para desempeñar un trabajo que le podría abrir las puertas a la fama como fotógrafa profesional. En este sentido, tenemos dos historias que avanzan paralelas y que nos muestran a dos Maras de actitudes diferentes. Lo que ocurrió en las islas es el misterio que rodeará la historia y que no descubriremos hasta los capítulos finales. En este sentido, estamos ante una obra que no se detiene demasiado en complicaciones, sin giros bruscos, como ya avisaba la sinopsis que encontramos en la contraportada. Además, no se hacen necesarios, pues el contenido de la obra es suficiente para enganchar al lector y sorprenderlo, logrando también cierta empatía a través de los sentimientos que se desprenden en la obra.

Presentación en Huelva de Nivaria

No obstante, encuentro un defecto que Óscar solventa según avanza la novela y que me produce la sensación de que ha faltado cierta revisión de los primeros capítulos. Se trata de la complicación sintáctica a la que recurre inicialmente para sus párrafos, creando oraciones muy largas que pueden llevar a confusión y a una sensación de pérdida por parte del lector. Curiosamente, este hecho, como señalé antes, es menos frecuente según avanzamos en la lectura. Es cierto que se nota cierto afán por contarnos muchos detalles seguidos, lo que nos proporciona seguridad en lo que leemos, sintiendo que podemos confiar en lo descrito por el autor; pero la falta de algún signo de puntuacíón para pausar la lectura o las oraciones complejas que conforman casi todo el párrafo también nos puede producir cierto agobio. Otro detalle del que personalmente difiero es el empleo de fórmulas acortadas en una conversación, como mrs. en lúgar de míster, pues proporciona un carácter más ficticio a la lectura y nos puede despertar de nuestra inmersión literaria. No obstante, cabe decir que dentro de la novela encontramos fragmentos escritos con gran sensibilidad y acierto, que pueden traspasar el plano literario de la historia de Mara para alcanzar el propio sentimiento del lector; especialmente destacables aquellos dedicados al amor y al dolor.

El punto fuerte de la obra lo supone, sin duda, el contenido, las historias que nos relata. Nivaria es la historia de Mara pero también es la historia de todas las personas que la rodean. Óscar nos cuenta las vivencias de estos personajes que están en otro plano, o al menos deja que las intuyamos, usando, en ocasiones, la fórmula de ésa es otra historia que tan recurrente fue en Michael Ende y su Historia interminable. Mediante este recurso se hace casi imposible no identificarte con alguna de esas historias que encontramos en la novela, que parten de Mara y su historia de amor hasta un conspirador que había intentado atentar contra el rey de Marruecos. Todos estos hechos tendrán su relación a la trama principal, aunque no los veamos a simple vista; además, cada uno de esos relatos aporta conceptos relacionados con el desarrollo de la vida humana y en los que podemos vernos reflejados. En ese sentido, la presentación de la novela no nos miente y nos habla de lo que vamos a encontrar en su interior.

El Teide, en las islas Canarias, una de las vistas descritas en la novela

El amor desde diferentes ángulos, la amistad, las relaciones entre diferentes culturas, la soledad, la familia y las maravillosas descripciones de los más intensos detalles de las ciudades que nos muestra, son los temas centrales que conforman esta novela. Con sus reflexiones sobre los sentimientos, con la metáfora de Nivaria y con la naturalidad de un autor novel y sincero. Es la receta que conforma esta novela y que está haciendo disfrutar a tantos lectores. No esperes nada complicado, simplemente déjate llevar por las palabras de Óscar a otros lugares, a otras personas, a una historia sencilla y, a la vez, muy humana.

De esta forma, la obra transcurre dando saltos entre el presente y el pasado, contándonos qué pasos han llevado a Mara a ser la persona que es y cómo las casualidades o las vidas de otras personas ajenas en principio a alguien pueden acabar transformando nuestra propia vida sin que nos demos cuenta. Y es que, en cierta forma, cuando Óscar, en boca de su personaje William, nos dice: "Sigo aquí, no he ido a ninguna parte" podríamos concluir que, en efecto, todas las personas relacionadas con nuestra vida siguen ahí, siendo los responsables de muchas de las cosas que nos acaban ocurriendo.

En conclusión, una lectura amena, entretenida y con la que sentirse identificado, con el único defecto de algunas cuestiones formales que se van solucionando según avanza.

Para saber cómo conseguirlo, visita nuestra Tienda o el blog Nivaria.

Nota: actualmente hay una promoción navideña para conseguir el libro sin gastos de envío y dedicado, ¡no te la pierdas!

Los chicos del coro, de Christopher Barratier

2011-11-22T17:28:00.000+01:00

Los chicos del coro es el primer largometraje de Christophe Barratier, escrito por él en colaboración con Philippe Lopes-Curval. Esta producción francesa se inspira en la experiencia personal del realizador que, tras el divorcio de sus padres, vivió su infancia en un internado. También, intenta plasmar los recuerdos de su aprendizaje en la música, además de tomar como punto de referencia la película La cage aux rossignols, del año 1945.

Pierre Morhange (Jacques Perrin), un reconocido y prestigioso director de orquesta, recibe una llamada de Francia en la que le comunican que su madre acaba de fallecer. Al trasladarse a su ciudad de origen para el funeral, recibe la visita de Pépinot (Didier Flamand), un antiguo compañero de la escuela-reformatorio en el que estuvieron siendo niños, Le Fond de L'Étang. Allí, Peppinot decide entregar a Pierre el diario del antiguo vigilante del reformatorio, Clément Mathieu (Gérard Jugnot), una persona muy querida por ambos. Empieza a leerlo y a rememorar cómo aquel músico sin fortuna que fue a parar al internado, cambió la vida y la forma de impartir educación a los chicos, ya que, después de varios intentos frustrados de disciplinar sin violencia a sus estudiantes, decidió intentar llegar a ellos a través de la música. Así fue como transformó sus clases en los ensayos de un coro y cómo enseñó a los chicos sus composiciones originales, las cuales nunca pudieron ver la luz. Mathieu, que siente una íntima rebeldía ante los métodos del rígido y estricto director Rachin (Francois Berléand), experimenta una mezcla de desconcierto y compasión por los chicos. En sus esfuerzos por acercarse a ellos, descubre que la música que está impartiendo atrae poderosamente el interés de los alumnos y se entrega a la tarea de familiarizarlos con la magia del canto, al tiempo que va transformando sus vidas para siempre.


Mathieu impartiendo a sus alumnos lecciones magistrales de música

Nominada a dos Óscars (Mejor película extranjera y Mejor canción original) y ganadora de dos premios César (Mejor música y Mejor sonido), esta historia nos transmite el empeño de un admirable profesor de música, quien no tuvo éxito en su carrera, por enseñar música a unos niños de reformatorio, además de todas las relaciones y lazos que se crean a raíz de esta entrañable tarea. Vemos una evolución en los niños gracias al poder y a la magia que desprenden las melodías de Mathieu, que se ve traducida en un positivo cambio de actitud y en la aparición de un profundo cariño hacia el profesor, responsable de todo este resurgir. El film tiene todos los elementos con los que el séptimo arte es capaz de emocionar; la forma de relatar cada paso de los personajes en la obra encandila las mentes y los corazones de una gran parte de los espectadores.

Caresse sur l'ocean - Inolvidable y conmovedora banda sonora, toda una joya para nuestros sentidos.

Es evidente que la película es muy emotiva y tierna por la historia que en ella se cuenta, cuyos pilares defienden un modelo de educación abierto y humanizado frente a la tiranía y la incomprensión de la forma de enseñanza de la época. Además, otros factores que hacen de esta historia una obra entrañable son sus protagonistas, los niños, destacando el elenco de actores tan acertado y en los que podemos apreciar cómo experimentan una gran evolución, al igual que sus papeles tan sumamente cuidados en la obra. Tampoco debemos olvidarnos de todo aquello que rodea a la película, como puede ser la fotografía, el montaje o la banda sonora, de gran éxito independientemente del film y que lo ha hecho consagrarse internacionalmente, siendo una composición muy afamada en las críticas recibidas más allá de las fronteras francesas. Todo ello forman ese envoltorio formal que la hace ser una producción admirable.

Para el papel de niño de Pierre Morhange fue elegido Jean-Baptiste Maunier, solista real del coro Petits Chanteurs de Saint-Marc, que nos maravilla con su voz en las canciones de la banda sonora de la película.

Sin duda, lo más importante y destacable de la película es la trascendencia de la música como la mayor forma de expresión existente. La historia es capaz de transmitir una sensibilidad extraordinaria en cada escena, en cada personaje y, sobre todo, en Mathieu, quien expresa a la perfección la profunda relación que un profesor entregado puede llegar a entablar con sus alumnos, sean de la condición que sean. Indiscutiblemente, un bello ejemplo de superación que refleja que no hay que rendirse ni levantar barreras a la hora de educar.

Clásicos Inolvidables (VII): Las coplas a la muerte de su padre, de Jorge Manrique

2011-11-19T22:04:00.001+01:00

La poesía española tiene en su historia grandes poemas relacionados con la muerte, uno de los temas universales de la literatura mundial que aparece ya en la primera obra literaria de la que tenemos constancia, el Poema de Gilgamesh. Desde la antigüedad hemos encontrado descritos los sentimientos que produce la muerte para el ser humano en la literatura y dentro de la castellana podemos destacar la obra culmen de Jorge Manrique por el que su nombre ha llegado a nuestros días como uno de los principales poetas del siglo XV.

Retrato del autor

Jorge Manrique forma parte de las primeras generaciones de poetas españoles que firmaban con su nombre las obras, en contraposición a la larga etapa anterior, con obras como el Cantar del Mío Cid, que permanecen anónimas. No fue el primero, pues ya era algo corriente en su siglo, por ejemplo, un familiar suyo, el Marqués de Santillana, que vivió en la primera parte del siglo XV, es uno de los que reconocen sus obras como propias y también el gran poeta de este siglo. Volviendo a Manrique, nuestro poeta siguió la línea de otros escritores de la época que combinaban su afán literario con la figura del guerrero, precisamente fallecerá durante la guerra entre Isabel la Católica y Juana la Beltraneja. La mayor parte de lo que escribió es poema de cancionero, poco relevante en comparación a las coplas que dedicó a la muerte de su padre, Rodrigo Manrique.

Las coplas a la muerte su padre toman como fuente principal el libro bíblico del Eclesiastés, donde se señala que el tiempo de nuestra vida debe dedicarse a hacer cosas gloriosas y no a malgastar nuestro tiempo con asuntos de poco valor, como las riquezas terrenales. Partiendo de esta fuente, Manrique toma distintos tópicos de la literatura, como el Comtemptu mundi, una muestra de desprecio al mundo terrenal y a las cosas que en nuestra vida tienen importancia pero que en nuestra muerte son irrelevantes, como las posesiones materiales o el dinero. Otro de los tópicos que emplea es el Memento mori, una llamada de atención al lector en el que advierte que hemos de morir y que debemos recordarlo, también junto al más conocido Tempus fugit, que hace referencia a cómo el tiempo transcurre de forma veloz. Junto a estos tópicos, hay uno más relevante y frecuente en la literatura de la época, el Ubi sunt?, un tópico que servía como pregunta retórica para mostrar lo vana que es la vida a partir de esos grandes personajes de la antigüedad que, pese a todas sus virtudes, habían acabado por morir. Una mezcla de los tópicos anteriores que Jorge Manrique revoluciona al abandonar la mención a personajes clásicos para referirse a figuras relevantes fallecidas en su misma época, personas que habían sido conocidas por los lectores coetáneos.

Dibujo del pintor medieval sueco Albertus Pictor

Asimismo, el autor nos revela en esta obra el pensamiento que había en la época acerca de la muerte y su función, que había evolucionado en los siglos anteriores desde ser un camino de salvación hasta el terror que producía como final de la vida. En este siglo, se siente como una experiencia que iguala a todos los hombres, sin importar las injusticias que existan en vida, tanto el pobre como el rico morirán. Aunque esta reflexión daría como resultadolas famosas danzas de la muerte, en las que se mantenía una conversación con la muerte personificada, representada, entre otras formas, como un esqueleto, es algo que Manrique rechaza, apareciendo en sus coplas como un ente abstracto que converrsa con Rodrigo Manrique, quien asume que ha llegado su hora y se marcha con la muerte. Sobre el carácter macabro de la muerte, podemos acudir como referente cinematográfico a la película El séptimo sello, donde un caballero cruzado mantiene una conversación con la muerte mientras juegan a una partida de ajedrez.

Fotograma de la película El séptimo sello, de Ingmar Bergman

Sin embargo, pese al tema tan relevante que Manrique está tratando en sus coplas y los tópicos empleados, escribe de forma sencilla con versos de arte menor y sin alegorías complejas como era típico en obras de este carácter. Emplea, además, un tipo de estrofas que han heredado su nombre aunque no fuese el creador, pero sí el autor más reconocido que las haya empleado: las coplas de pie quebrado o coplas manriqueñas. Métricamente, son seis versos que forman una sexteta de versos octosílabos donde el tercer y sexto verso tienen la mitad de sílabas, cuatro, y en ocasiones, cinco. Estos versos de menor medida que el resto son los denominados pies quebrados. Observemos un ejemplo de una de las imágenes más populares de esta obra y que recoge la idea de Heráclito de la vida como un río, así como la idea igualadora de la muerte, reflejada en el mar, que recoge a todas vidas, reflejadas en los diferentes tipos de ríos:

Fotografía Strenght realizada por MB

Nuestras vidas son los ríos
que van a dar en la mar,
que es el morir;
allí van los señoríos
derechos a se acabar
y consumir;
allí los ríos caudales,
allí los otros medianos
y más chicos,
y llegados, son iguales
los que viven por sus manos
y los ricos.

Podemos dividir la obra en tres partes, donde encontramos una primera que realiza un planteamiento general sore la muerte, donde recogemos las ocho primeras coplas; después una segunda parte dedicada a darnos ejemplos del efecto de la muerte y del paso del tiempo en quienes han muerto, se reúne aquí el repertorio de figuras relevantes recogido por el tópico Ubi sunt?. La última parte corresponde al elogio que dedica a su padre y que se extiende desde la décimo quinta copla hasta el final. Entre los versos finales comienza el diálogo con la muerte donde se nos muestra la muerte ejemplear de Rodrigo, quien acepta que ha llegado su hora.

Esta muerte nos hace reflexionar sobre los tres tipos de vida que Manrique menciona en boca de la propia muerte: la vida terrenal y vana, que abandonamos tras morir; la vida eterna, a la que estamos destinados tras la muerte; y la vida virtuosa, la vida hecha con la memoria que queda en las personas que nos conocieron y que siguen vivas tras nuestra muerte, es lo que denominamos fama y que nos hace estar vivos aún habiendo abandonado la vida terrenal. Por así decirlo, aunque nos llegue la muerte, nunca moriremos mientras alguien nos recuerde.

Lápida cristiana fotografiada por LJ

Con esta última idea termino esta entrada sobre esta famosa obra poética del siglo XV que refleja la idea de la muerte de la época y nos traslada al propio dolor de no saber adónde vamos en ese mar donde terminan los ríos. No es la descripción de esa soledad que sentimos ante la muerte, pero sí es el perfecto resumen de lo que debemos tener en cuenta antes de abandonar la vida.

Un antes y un después (VII): United Colors of Benetton.

2011-11-18T23:28:00.004+01:00

Benetton, la conocida y polémica marca de ropa italiana, empezó su andadura empresarial en el año 1965 en la ciudad de Véneto. Su historia se remonta a 1955, cuando Luciano Benetton, el mayor de los hermanos Benetton, tenía solo 20 años y trabajaba como vendedor en Treviso. Se dio cuenta de que la gente quería colores en sus vidas y especialmente en su ropa (como bien apreciamos en el internacional eslogan United Colors of Benetton). Para ello, se dispuso a comprar su primera tejedora de segunda mano, comenzando así a comercializar una pequeña colección de suéteres a las tiendas locales del área de Véneto. La reacción positiva a sus diseños fue sólo el principio de un sólido comienzo. Poco después, el resto de sus hermanos se unirían también al proyecto, componiendo el primer paso al gigante textil actual.

En 1966, los Benetton abrieron su primera tienda en Belluno (Italia). Tres años después, le seguiría París como lugar para la segunda apertura de la firma, con Luciano como presidente. Además de prendas femeninas, masculinas e infantiles, recientemente se ha logrado expandir al negocio de los perfumes, ropa interior y artículos para aseo personal, para el hogar y para bebés. Su negocio principal lo constituye la ropa con la línea más casual e informal, United Colors of Benetton; es seguida de cerca por Sisley, una firma más orientada a la alta costura; y Playlife, con ropa para toda ocasión.

En los años 1990, Benetton empezó su conocida y controvertida trayectoria en el mundo de la publicidad. Se hizo conocido en los Estados Unidos por producir una serie de polémicos anuncios de larga duración, a veces incluso ofensivos, que han provocado que un gran número de críticos de los medios de comunicación acusase a la compañía de crear deliberadamente una profunda controversia para lograr vender sus productos.

Este devenir de la maniobra de publicidad de la compañía se originó cuando al fotógrafo Oliviero Toscani se le otorgó carta blanca en la administración empresarial de Benetton.

A partir de ahí, pudimos ser testigos de cómo los anuncios titulados "United Colors of Benetton" incluían imágenes que, aparentemente, no se relacionan en lo absoluto con la ropa que es vendida por la compañía. Escenas de gente muriendo de sida, multitudes en pánico saltando de un barco que se está hundiendo, o un sentenciado a muerte son algunos de los ejemplos de esta peculiar forma de entender la publicidad.

También predominan las imágenes de grupos de personas de varias etnias, únicamente unidos al logotipo de Benetton, haciendo énfasis en el contraste entre individuos de distintas razas, pero queriendo destacar también el ideal de igualdad entre todo tipo de personas.

Handcuffs (1989)
Dos personas esposadas, un hombre blanco y un hombre negro. Una sutil y brillante campaña lanzada en pro de la igualdad de los derechos humanos, sean de la raza que sean.


Black Woman Brestfeeding White Baby (1989) Se trata de la campaña de Benetton que más premios ha recibido; una enternecedora imagen que también causó conmoción en la comunidad afroamericana de los Estados Unidos.


Graveyard (1991) Un cementerio francés de la Primera Guerra Mundial que muestra varias hileras de cruces alineadas simétricamente, evocando un recordatorio de que, en la guerra, más allá de los uniformes, las religiones y razas, la muerte es siempre la única victoria.

Estas campañas han creado una imagen mucho más allá de la simple ropa Benetton, convirtiéndose en una marca comprometida con la mejora de la sociedad, en todo un acto de reivindicación. Pero ninguna marca se crea sólo con publicidad: la ropa de la firma tiene estilo propio, un hecho que se refleja en su presencia en más de 120 países, siendo así una de las mayores y destacadas marcas del sector de la moda.

En este mes de noviembre, una vez más, la compañía textil ha vuelto a ser el centro de la polémica tras su última campaña mundial de comunicación y publicidad, Unhate, en la cual varios de sus anuncios, a modo de fotomontaje, muestran a los principales líderes del mundo besándose apasionadamente. Tras su lanzamiento, las reacciones no tardaron en llegar, y la propia compañía ha comunicado que retirará de modo inmediato el fotomontaje con la imagen del Papa Benedicto XVI besando en la boca al imán árabe Ahmed Mohamed el-Tayed.

La censura china ha borrado en redes sociales del país los comentarios sobre el montaje publicitario de Benetton en el que los presidentes de China y EEUU, Hu Jintao y Barack Obama, se besan en la boca, mientras que los buscadores del país han dejado de ofrecer enlaces a la polémica foto o información sobre ella.

El beso, que también fue criticado por la Casa Blanca por el indebido uso publicitario de la imagen del presidente Obama para fines comerciales, es muy difícil de encontrar hoy en páginas webs de China, como es el caso de los resultados del buscador Baidu, el más usado en el país asiático, el cual no ofrece enlaces a la imagen, además de incluir avisos en relación a que algunos contenidos no pueden ser mostrados por cuestiones legales.

Lo cierto es que la historia publicitaria de Benetton nunca ha estado exenta de polémica y desavenencias. Es por todos conocido que sus anuncios publicitarios siempre han generado una gran expectación debido a sus arriesgadas propuestas creativas, siendo objeto de diferentes censuras y críticas.

La nueva campaña 2011-2012 de Benetton, Unhate, también tiene spot. Sin duda, un magnífico y elocuente anuncio donde el odio no tiene lugar.

Benetton es una de las pocas firmas de moda que constantemente desafían el pensamiento común del ser humano gracias a sus originales y genuínas campañas, empujando a sus seguidores a marcar una diferencia en el mundo, a ser libre y a ser diferente. Ésas deberían ser las claves de la base de la publicidad. Benetton, un sello, indiscutiblemente, que siempre nos hará plantearnos el acontecer de nuestra sociedad, de todas sus ventajas e inconvenientes y del que, actualmente, no podemos olvidarnos.

El Piano, de Jane Campion

2011-11-13T17:28:00.002+01:00

A mediados del siglo XIX, Ada McGrath, una joven escocesa apasionada por la música, queda viuda a cargo de su hija pequeña, Flora. Para poder mantenerla, se ve obligada a aceptar un matrimonio concertado, el cual la obliga a dejar su Escocia natal y a viajar a Nueva Zelanda, acompañada de su hija y de su piano, su bien más preciado. Allí conoce al que será su futuro marido, Alistair Stewart, un granjero pudiente que poco después se negará a llevar a casa el piano.

Muda desde que, siendo pequeña, decidiera voluntariamente de hablar; Ada se ve obligada con sumo abatimiento a abandonar su apreciado instrumento, el que constituye su principal medio de expresión junto al lenguaje de signos, que practica con Flora.

Abandonado a su suerte en la playa, el instrumento será rescatado por George Baines, un vecino entusiasta de la música de piano, quien al principio le pide a Ada que le dé clases de piano, estableciendo seguidamente un extraño trato: ella podrá tocar el piano mientras que él pueda tocarla. Inevitablemente, será un hecho que marcará el devenir de la historia.

Escrito y dirigido por Jane Campion, este drama romántico triunfó tanto en la taquilla como entre la crítica, logrando tres Óscars entre sus ocho nominaciones, los cuales premiaron la labor de Holly Hunter como actriz principal, la de Anna Paquin por su papel secundario y la de la propia directora por el guión original, quien también se llevó la Palma de Oro de Cannes. Destaca también la presencia de Harvey Keitel y Sam Neill como Alisteir y George, respectivamente; además, sobresale la banda sonora de la película, a cargo de Michael Nyman, cuyo álbum se convirtió en todo un éxito internacional que aún perdura. Es la propia Holly Hunter la encargada de interpretar a piano cada melodía en las diferentes secuencias de la película, unas emocionantes piezas capaces de embelesar nuestros sentidos, como podemos admirar a continuación.

El Piano es una película que quizás no ha tenido la trascendencia que algunos creen que merece. La historia, escenarios, personajes y actuaciones son verdaderamente sobresalientes, y se beneficia de los fascinantes paisajes escogidos en esa isla de Nueva Zelanda donde cualquier cosa puede ocurrir. Tampoco podemos dejar pasar la excelente fotografía, música y guión del film, aparentemente simple pero envolvente e invadido por la tristeza. Un rasgo que la diferencia de otras películas es la poca cantidad de diálogos, ya que Ada es muda y transmite sus sentimientos mediante el piano, convirtiéndose así en la voz de la protagonista.

Descubrimos en ella una historia de amor atípica, quizás por la falta de tapujos y la sinceridad con la que está contada: personajes que son incapaces de amar y que se rinden a la lujuria y el deseo para después dar paso al amor.

La frialdad de la que peca la historia en algunos momentos se ve compensada con la intensidad de otros que siguen resultando tremendamente emocionantes, como las escenas bañadas con la inolvidable música de Michael Nyman, una de las obras maestras contemporáneas más reconocidas.

Holly Hunter, sin decir una palabra, transmitía todas las sensaciones y sentimientos de Ada con la fuerza de su mirada, llevándose merecidamente un año más tarde el Óscar a la Mejor Actriz. La vivaz, inquietante y risueña Flora también estuvo a la altura, interpretando un gran papel y que, con sólo once años, también se vio recompensado con un Óscar. Junto a ellas, la sobriedad y clase de Sam Neill y, sobre todo, un contenido Harvey Keitel, completan el excelente reparto.

Una delicia imprescindible para los sentidos, cuya banda sonora emociona y logra envolver al oyente, y una historia que ha logrado convertirse en un clásico contemporáneo para cualquier amante de los grandes dramas del séptimo arte.

Música Inolvidable (IV): Pink Floyd

2011-11-11T11:11:00.000+01:00

Si decimos un triángulo, una luz que pasa por él y se transforma en arco iris... ¿Qué es lo primero que se os viene a la cabeza? Los fans de la música rock de los sesenta-setenta seguramente pensarían inmediatamente: Pink Floyd

[Símbolo de Pink Floyd]

Éste grupo ha tenido unos orígenes complicados, ya que en un principio ni siquiera se llamaban así. Comenzó en 1964 cuando algunos jóvenes (tres de ellos son los que siempre han estado en el grupo) se reunían para crear sus composiciones. El nombre del grupo fue inicialmente Sigma 6 (del cual los miembros eran, en principio, Roger Waters - Guitarra solista, Nick Mason - batería, Richard Wright - guitarra rítmica, Clive Metcalfe - bajo y Keith Noble - voz solista Sheila Noble - coros), aunque fueron variando de nombre. Finalmente, uno de los miembros tuvo que marcharse, quendando sólo cuatro.

En otoño de 1965, la cosa empezó a tomar forma, y ya por fin se decantaron en llamarse Pink Floyd (en un principio sería "The Pink Floyd Sound", aunque quedaría acortado de forma rápida, a partir de 1968 abandonaron el The ni el Sound). El nombre proviene de la fusión de dos nombres de músicos (Pink Anderson y Floyd Council). Su primera actuación bajo este nombre fue en el Countdown Club de Londres, donde interpretaron temas clásicos de Chuck Berry, The Kingsmen y Bo Diddley.

Son tan diversos los estilos en los que tocan que es difícil encasillarlos en uno solo. Eso sí, podemos decir que una de sus principales corrientes es la del rock psicodélico (¿no sentís una extraña sensación cuando escucháis su música?). Luego, también podemos meterlos en rock progresivo y art rock, entre otros.

[La foto de los cuatro miembros cuando eran jóvenes]

A finales de los 60, el grupo estaba compuesto por estos cuatro miembros:

Roger Waters
David Gilmour
Nick Mason
Richard Wright.

Trabajaron de forma incansable durante los años setenta. Por diversos motivos Richard Wright dejó el grupo a finales de esa década, por lo que en el álbum The final Cut ya no contaban con él.

A finales de 1985, Roger Waters anuncia su retirada, dejando en el grupo sólo a dos de sus integrantes. A pesar de todo, Gilmour y Mason siguieron adelante con el grupo, grabando otro CD. Eso no le hizo demasiada gracia a Waters, por lo que disputaron a nivel legal si tenían o no derecho ambos músicos a seguir llevando el nombre de Pink Floyd (a pesar de que la mitad de sus integrantes ya no estuvieran en la banda). Al final ganaron Gilmour y Mason, con lo que siguieron adelante con el disco.

En 1994 retornó Richard Wright al grupo, y se grabó un disco en ese mismo año, y otro al año siguiente, llegando a ser número uno en las listas, a pesar de tener, a la vez, una dura crítica. Después de ésto, se retiraron. Sólo hubo un único concierto adicional en 2005, donde estuvieron los cuatro miembros.

Tras este breve repaso cronológico, cabe mencionar un dato visual sobre Pink Floyd: La película de The Wall.

[Uno de los carteles de The Wall (el muro)]

Esta película cargada de simbolismo que nos puede resultar extraño es del año 1982, fue dirigida por Alan Parker siguiendo el guión de Roger Waters (integrante del grupo que creó el guión con las canciones del disco The Wall). El film tiene pocos diálogos, por lo que muchas de las cosas que aparecen debemos deducirlas, ya sea porque conocemos perfectamente al grupo y sabemos qué nos quiere dar a entender Waters, o bien por mera deducción.

El protagonista es Pink, del que observamos su vida desde la niñez hasta la edad adulta. Es un cantante reconocido, que tiene una vida de fama y drogas (recordemos que, en aquella época, había mucho consumo). Se entremezclan trozos de animación y podemos comprobar que el protagonista se está volviendo loco poco a poco.

Un símbolo a destacar está en la animación, cuando se ve que se rompe un muro. Otro símbolo más visible es cuando se ven niños que están siendo "manipulados", convirtiéndolo a todos en iguales, sin darles opción a elegir.

[La canción Hey you, con imágenes de la película]

[La canción Another brick in the wall, tal y como sale en el film]

La parte que vemos en el segundo vídeo es la infancia de Pink en la escuela, la cual no fue muy grata. Ahí se ve la educación, de cómo quieren que seamos todos de una forma cuando seamos mayores, posiblemente para controlar así mejor al "rebaño" (esto último es una humilde opinión).

Por otra parte, podemos destacar que algunos elementos han sido tomado por Matt Groening para su serie estrella, Los Simpsons, como el ejército de los martillos o la trituradora de carne que mata a los alumnos.

Curiosidades relacionadas con el grupo

La pregunta (Oh by the way which one´s Pink?) - (Oh por cierto, ¿cuál de vosotros es Pink?) que forma parte de la letra de (Have a cigar) - (Toma un cigarro), del disco Wish You Were Here, fue realmente hecha a los componentes del grupo por un ejecutivo de la EMI.
La expresión (Riding the Gravy Train) del tema (Have a cigar) - (Toma un cigarro) es una expresión inglesa que viene a significar algo asi como "ganar mucho trabajando poco".
Las voces que se escuchan de fondo en el tema "Learning To Fly" son el producto de la grabación de una conversación entre Nick Mason y su instructor de vuelo.
La canción "The show must go on" de Queen tiene el primer verso igual que la canción de Pink Floyd con el mismo título.
El disco The Dark Side Of The Moon está catalogado como uno de los más vendidos en toda la historia, según estadísticas uno de cada cinco hogares en Londres tiene ese disco.
David Gilmour además de descubrir como cantante a Kate Bush y de ayudarla en sus comienzos en el mundo musical, tocó para ella en varios temas de sus primeros álbumes.
Nick Mason además de un gran aficionado a los automóviles y a las competiciones de velocidad, posee una colección de unos 20 Ferraris que tienen en total un valor aproximado a los 25 millones de dólares.
En Atarfe (pueblo de Granada) hay un parque llamado Pink Floyd, con el símbolo del grupo y figuras de músicos. El motivo es que hubo un concierto allí.

Y tras esta revisión del grupo, me pregunto: ¿será éste un gupo sobrevalorado? ¿Qué tiene Pink Floyd que hace que sus fans sientan la catársis con su música? Y sobre todo, ¿quién será Pink realmente en el grupo?

Clásicos Inolvidables (VI): El Libro del Buen Amor

2011-11-09T16:50:00.000+01:00

El Libro del Buen Amor es una obra medieval considerada una de las cumbres de la literatura española y que fue escrita en el siglo XIV, según sabemos gracias a los tres manuscritos que se conservan de la obra. Pertenece al mester de clerecía en cuanto al empleo de la cuaderna vía, la estrofa típica de este mester, aunque también contiene uno de los primeros textos en prosa de la literatura medieval: el prólogo, sobre el que hablaremos más adelante.

Edición de Alberto Blecua, de la editorial Cátedra

Su autor se hace llamar Juan Ruiz y también dice ser arcipreste de Hita, no obstante estos datos no han podido ser verificados, pese a haber encontrado a una persona con este nombre y este oficio en documentos de la época, desconocemos si realmente fue el autor o sólo empleó ese nombre. Por esta cuestión, debemos separar la idea del escritor, al que no conocemos, y el personaje narrador, al que podemos representar tal y como se presenta en la obra, como Juan Ruiz. No obstante, gracias al contenido de la obra podemos saber que el autor debía ser escolar, experto en derecho civil y eclesiástico y que conocía bien la geografía de la parte central y norte de Castilla.

Hita, ciudad de la que es arcipreste Juan Ruiz

El personaje del arcipreste, narrador de la obra, es central y supone el hilo conductor de las tramas que nos encontramos en el libro, pues una gran parte corresponde a relatos autobiográficos relacionados con el amor, además de una serie de fábulas, ejemplos y cuentos que sirven para la reflexión que se defiende en textos modales o didácticos que también componen el conjunto de géneros que hay en la obra. No podemos olvidar también los pasajes líricos de carácter religioso y profano que encontramos en el libro; estos pasajes, especialmente los profanos, debían haber sido más numerosos, pues se realizan menciones a varios poemas en los textos autobiográficos. Se han conservado el zéjel de Cruz y las cántigas a las serranas como composiciones poemas, mientras que el resto de versos religiosos se han conservado, entre ellas las cántigas de la Virgen. El hecho de combinar escritos autobiográficos con poesía no es extraño si atendemos a la contemporaneidad de la obra con Petrarca, quien realizó un cancionero de ese estilo.

Al comenzar la obra, nos encontraremos con un prólogo escrito en prosa donde el autor, con elocuentes citas en latín tanto de autores latinos como de la Biblia, nos contará los propósitos que tiene al escribir este libro. En primer lugar, nos explica su intención de aconsejar a sus lectores contra el loco amor, es decir, el amor carnal, humano y mundano, frente al amor divino, limpio o el buen amor, como lo llama a lo largo de la obra. De esta forma creará una memoria de todas las artes que se emplean para la seducción, de manera que todos puedan ser precavidos contra estos hechos, hasta quienes lo cometen, pues al ver desvelados sus estrategias, se verán obligados a cambiarlas o abandonarlas. El ideal estaría bien definido de no ser por su segundo propósito, que reside en proporcionar a sus lectores las técnicas de seducción o del loco amor de las que antes nos advertía. Actúa dando la información y dejando que el lector decida. Por último, y no menos importante, nos muestra su interés por enseñar a escribir buenos versos, usando su libro como ejemplo.

Para llevar a la práctica la doble realidad de los dos propósitos iniciales el personaje narrador se desdobla en dos personalidades. En primer lugar, el joven escolar Juan Ruiz, quien es un libertino que busca seducir a las mujeres con una vida erótica libre, representada también por la superstición astrológica del signo de Venus, bajo el cual nace. Tiene conocimientos de música y juglaría, además de ser alegre, ingenuo y burlón. La otra parte es un religioso reflexivo y moralista, defensor de la memoria como método de salvación del alma frente a la voluntad y al entendimiento. Sólo se le describe físicamente en el relato de don Melón y doña Endrina, donde la alcahuesta Trotaconventos realiza un retrato estereotipado del personaje, denominándolo velloso y de nariz larga, símbolos del desenfreno amoroso y muestra de la virilidad.

Ovidio

Siguiendo con el relato de don Melón y doña Endrina, debemos atender a esta historia que supone el primer éxito del arcipreste con ayuda de Trotaconventos, personaje que servirá de base para Celestina. Este pasaje narrativo es una adaptación de una obra latina titulada Pamphilus y que había sido atribuida a Ovidio pese a pertenecer al siglo XII. Este relato se sitúa de forma posterior a los consejos de seducción que proporcionan los personajes de don Amor y la diosa Venus dentro del ars amandi de Ovidio, es decir, una especie de consejos útiles para ligar en esta época, como bien podría ser el Libro de jugadas originado por la serie Cómo conocí a vuestra madre, aunque sólo se trate de una parodia de hechos irreales que rodean al personaje Barney Stinson.

No obstante, el principal problema que se plantea con el Libro del Buen Amor es su género: no tiene ninguno concreto. No hay ninguna obra anterior que se le parezca ni ha influido como género a libros posteriores, aunque sí algunos elementos, como hemos mencionado en el caso de Trotaconventos y Celestina. Esto se debe a que la obra está compuesta por una amalgama de géneros narrativos, líricos, morales y reflexivos que incluyen desde relatos alegóricos como la batalla entre don Carnal y doña Cuaresma, encuentros autobiográficos del arcipreste con mujeres de la sierra o fábulas que pertenecían a un repertorio de cuentos escolares. También podríamos referirnos a la misma fuente de los poemas provenzales que provocaron el fenómeno del amor cortés, se trata de la obra Elegía erótica latina, creada en el siglo I a.C. y caracterizada por las peripecias de un hombre que está sometido al desdén de una mujer, contado de forma humorística, aunque tomado por la poesía cortesana como un tema serio.

Portada de la película inspirada en la obra

Sin duda, una mezcolanza que provoca el alejamiento de los lectores a un libro que consideran medieval y religioso. Si bien es cierto que existe una gran distancia temporal y cultural con esta obra, no podemos sino sorprendernos de la modernidad que destilan sus líneas, además de la cantidad de composiciones blasfemas o relacionadas con lo erótico. Un clásico que en ocasiones pasa desapercibido, pero que no tiene ningún desperdicio.

Descubriendo a (VII): Versus The Robot!

2011-11-08T16:20:00.001+01:00

Seguramente no haya por esta zona alguien que haya escuchado a este grupo. Se trata de Versus The Robot!, una banda que, aunque no haya tenido mucha repercusión por España, considero que es lo suficientemente buena como para dedicarle al menos unas líneas.

[Los tres componentes del grupo]

Versus the robot! es un grupo de cuatro jóvenes provenidos de Columbia (Carolina del Sur) que tuvieron a lo largo de su carrera musical varias modificaciones, tanto de individuales como de grupo. En principio participaban en bandas diferentes, pero finalmente los cuatro se reunieron y crearon el grupo, aunque actualmente son solo tres.

Los miembros del grupo son:

Charlie Jackson - Guitarra / Voz
Jordania Spanske - Bajo
Brandon Hollyday - Batería / Voz

[En concierto]

Su estilo de música es un rock/pop bastante actual. No tienen un sonido muy comercial, por lo que puede que por ello no atraiga a muchos oyentes, los cuales están acostumbrados a consumir música de discográfica, que se encarga de que el sonido tenga un enganche especial para el público.

Tienen un disco a la venta, que se llama Sink or swim. En él podéis escuchar seis temas compuestos por ellos mismos, de los cuales Get out of here! y Waste of time son sus temas más escuchados. Los títulos de las canciones son:

Waste of Time
Safe to Say
ThÇe Scrience Between us
Sink or Swim
Get out of here!
So Young and Clueless

A nivel de imagen, dejan bastante que desear. No tienen una forma de vestir determinada o que llame la atención a un círculo en concreto, ni tienen un márketing excelente. Puede que sea uno de los factores por los que no son conocidos. Sin discografía y sin imagen es difícil llegar a ser alguien importante, ya que vivimos en una sociedad que consume música preparada para ser ingerida por los oyentes.

[En el directo se puede ver que son muy cuidadosos con el sonido, pero no con la imagen]

Buen sonido e imagen muy mejorable. ¿Qué pasaría con este grupo si una discográfica se interesase por ellos? ¿Mejoraría como grupo? Posiblemente sí, pero... ¿cuál sería el precio?

Redes sociales

Explosions in the sky: Take care...

2011-11-07T18:24:00.001+01:00

Todos aquellos que necesiten un momento de relajación o, simplemente, dejarse llevar por una música que no esté cargada de mensajes y palabras, debe conocer a este grupo: Explosions in the sky, una banda de post-rock estadounidense, actualmente de los más reconocidos en su género.

A pesar de que su música no tiene letra, han conseguido labrarse un sonido narrativo instrumental. Con ello quiero decir, de forma coloquial, que sobran las palabras en sus canciones. Este fenómeno lo llaman ellos "mini sinfonías catárticas", debido seguramente a la sensación de catársis que el público siente, y a la composición de su música.

Nos llevan ofreciendo su música desde que crearan el grupo en 1999, con influencias de Mogwai y Dirty Three. A diferencia de las bandas a la que estamos acostumbrados, en ésta no hay un líder, sino que todos por igual son Explosions in the sky. Según el percusionista del grupo, es la dinámica que está más afín con los ideales del grupo.

[Los cuatro integrantes del grupo]

Los miembros del grupo son:

Munaf Rayani – Guitarra
Mark Smith – Guitarra
Michael James – Bajo y guitarra
Chris Hrasky – Batería y percusión

Diversas personas que están metidas en el mundo de la música afirman que el post-rock está muriendo, y que pronto será un género olvidado. Grupos como éste se imponen ante esas ideas ofreciéndonos su música y llegando a los oyentes con fuerza, y con una dinámica sorprendente. Aún así, hay que decir que los integrantes del grupo no consideran que estén trabajando en este género, sino dentro de las "bandas de rock". Sin embargo, a nivel técnico, su género entra dentro del post-rock.

Su último disco, Take Care, Take Care, Take Care, ha tenido muy buena acogida entre sus fans. No han decaído, sino todo lo contrario. Podemos apreciar una gran evolución desde el primer disco hasta el último.

[Una canción del disco "The Earth is not a Cold Place", publicado el 4 de noviembre de 2003]

Éste grupo, como tantos otros, tiene myspace, donde podéis oír algunos de sus temas.

Si un día necesitáis un sonido que os deje reflexionar, o algo de fondo para poder relajaros, una canción de Explosions in the Sky es una muy buena opción. ¿Quién sabe? Tal vez entre reflexiones encuentres justo lo que necesitabas escuchar.

Descubriendo a (VI): La Ceremonia del Té

2011-11-06T14:30:00.003+01:00

La Ceremonia del Té es una joven banda de rock madrileña, formada originalmente por Daniel Sánchez (vocalista) y Alessandro Fonta (guitarrista), e integrada actualmente también por Paz Rodríguez (bajista) y Jose Miguel Lozano (batería).

Su unión musical nace a principios de 2005 en Madrid, a través de un foro cultural de músicos en Internet. Por suerte, la conexión entre ambas partes fue inmediata. Surge así La Ceremonia del Té, con una idea común de proyecto, con muchas ganas de crecer profesionalmente y con una manera de ver las cosas tan complementaria que hizo que, desde entonces, todo empezara a avanzar.

La Ceremonia del Té es, de forma literal, un ritual japonés para purificar el alma, un símbolo del esfuerzo instintivo para alcanzar el reconocimiento de la verdadera belleza, que reside en la sencillez artística. Por ello, su música es un compendio de todo aquello que les importa y que atrae su interés. Sus letras parten de un modo de entender la vida y de una actitud de consecuencia entre lo que piensan y lo que hacen. Ellos mismos se definen como una mezcolanza irracional&racional, donde tienen cabida el pensamiento más concreto y la ilusión última de las cosas.

Para sus componentes, la música siempre ha formado parte de ellos. Componer, arreglar y dar forma a sus propios temas supone una salida a sentimientos y pensamientos que están dentro de ellos y necesitan verse reflejados en canción, en la que ponen gran empeño y dedicación tanto a la letra como a la música de su trabajo.

Influidos principalmente por el rock, desde la década de lo sesenta hasta hoy, se inspiran en los grandes clásicos internacionales de todos los tiempos, aunque sin olvidarse de la música rock más actual, de la música española de los últimos veinte años o de la música italiana, rica en melodía e intención.

Su primer álbum, Rockmanticismo, supone todo un reto profesional, ya que es un trabajo producido y editado íntegramente por el grupo; desde la composición, los arreglos o la grabación, hasta el diseño de las portadas: todo ha sido supervisado por los componentes de La Ceremonia del Té. Por todo ello, se trata de un trabajo muy personal, con un sonido fresco y lleno de fuerza, con toques y melodías al más puro rock sesentero, un emblema que caracteriza el espíritu de la banda. De él podemos destacar canciones como Luna, que es una metáfora de la misma, una eterna observadora de cómo todo sigue evolucionando, generación tras generación, y de cómo el ser humano afronta siempre los mismos temores, inquietudes e ilusiones a lo largo de la historia; o Mar muerto, una letra que nos muestra una denuncia social de problemas como la inmigración o el desempleo y que cuya música refuerza ese mensaje.

Si tenéis curiosidad por descubrir La Ceremonia del Té y por adentraros en su Rockmanticismo, podéis encontrar y descargar gratuitamente su primer trabajo desde su página web o a través de su MySpace. Sin duda, todo un descubrimiento que, gracias a su pureza en el sonido y a una fuerza musical desbordante, ofrece aires renovados al rock español, y al que desde aquí deseamos y auguramos un futuro prometedor.

Sweeney Todd: El barbero diabólico

2011-11-05T10:47:00.008+01:00

Para los amantes de los musicales con toques oscuros, este musical es uno de los clásicos que no se pueden perder. Sweeney Todd, el barbero diabólico de la calle Fleet contiene todo lo necesario para dejar a los espectadores en sus sillas.

El estreno de la película se produjo en 2007, de la mano del director Tim Burton (aclamado por muchos por hacer películas de toques siniestro y a la vez entrañables). Le dan vida a los protagonistas Johnny Depp y Helena Bonham Carter, dos actores muy queridos y reclamados en nuestro siglo.

[Cartel de la película]

Las primeras noticias de esta historia remontan a 1846, con un relato publicado en el periódico The people's periodical. Igualmente, la historia remonta incluso más tiempo atrás, ya que se dice que es una historia real, sucedida en 1806.

En el tiempo que se hizo la película en 2007, un periodista se dedicó a investigar, y encontró diversas pruebas que demostraban que las sospechas eran ciertas y que, por lo tanto, los hechos en que se basaban de la película y el musical habían sucedido realmente (escalofriante, ¿eh?).

El musical tuvo gran acogida, y la película causó furor, especialmente fuera de EE.UU.. Ganó el Óscar a la mejor dirección de arte.

Antes de explicar la trama, quisiera exponer aquí dos partes de la obra tanto en el musical como en la película. Seguramente muchos prefieran las voces de los actores del film, ya sea por costumbre o por cualquier otra cuestión. Personalmente, opino que las voces del musical tienen muchísima más técnica (las voces de los actores del film están hechas para eso, ser expuestas en la película, no se preocupan de temas como el vibrato o la dicción para largas distancias), y que hay que tener en cuenta de que no es lo mismo interpretar para un teatro que para una película.

La historia gira en torno a Benjamin Barker, un barbero de Londres con mucha maña en su oficio que es acusado de un delito que no cometió, todo por culpa del juez Turpin, quien se había enamorado de su esposa Lucy, la cual tiene una hija.

El señor Barker se cambia de nombre, y se pone el pseudónimo de Sweeney Todd. Con ese cambio, vuelve a Londres para recuperar a las dos personas que más quería. No volvió solo, le acompañaba un joven llamado Anthony, el cual es un tanto inocentón.

Todd se deja caer por la pastelería de Nellie Lovett, y le cuenta que Lucy se suicidó tras ser violada por el juez que lo acusó falsamente, y que ese mismo malhechor tenía a su hija, llamada Johana, en su casa. Esas noticias hacen que su sed de venganza aumente de forma considerable, y se siente con fuerzas para realizar dicha venganza cuando recupera sus navajas de afeitar.

Tras eso, tanto el barbero como la pastelera llegan a un acuerdo, y es que el Todd se encarga de matar a los clientes de su barbería, y Lovett hace empanadas con ellos. Accede el hombre porque considera que todos deben morir (ésto queda implícito en la película).

Paralelamente, sucede la historia de Anthony, que se enamora de Johana al verla tan sola en su ventana. Descubre las miradas de ambos el juez, y decide darle un aviso no muy pacífico al joven para que se olvide de la muchacha.

[Jayne Wisner y Alan Rickman caracterizados de Johana y del juez Turpin]

El final es un tanto caótico. Lo dejo para todos aquellos que no hayan visto la película y que deseen verla. Es una de mis recomendaciones, ya que se disfruta de una música sublime de principio a fin.

Un musical que no deja indiferente, el cual contiene todos los ingredientes necesario para estar cerca de ser una gran obra maestra.

Publicidad No-Subliminal (IX): Vintage, un aire retro más allá de la publicidad

2011-11-04T12:45:00.004+01:00

Últimamente, todo aquello a lo que le añadamos la etiqueta Vintage parece un éxito garantizado. Se trata de un estilo que, aparentemente, aporta una calidad añadida a cualquier objeto antiguo y de diseño artístico, y que actualmente se encuentra en pleno apogeo en todos los ámbitos: desde estilismo, moda o decoración hasta el mundo del cine o la fotografía.

Ejemplo del estilo vintage en el mundo de la fotografía

Vintage es un término tomado del inglés, procedente a su vez del latín (vindemia). En castellano, es el equivalente a los calificativos retro o clásico, o de crianza en terminología enólogica. Tradicionalmente, la utilización de esta palabra por las distintas bodegas para referirse a los vinos de sus mejores cosechas ha hecho que su significado haya derivado a todo producto antiguo de calidad. El vintage adoptado como ideal de vida supone la pérdida de la fe en el progreso y el desencanto del motor de la innovación propia de la modernidad. Así, en vez de mirar al futuro, en él se recurre con nostalgia a elementos de eras pasadas, pero carentes de su significado original. De esta manera, cualquier forma de arte, como la moda, se sirve del pasado por motivos meramente estéticos, donde se mezclan elementos de distintas épocas y lugares, descontextualizados de su función y razón original. Su auge se ha visto acrecentado en el último siglo por iconos de la moda como Dita Von Teese o Kate Moss, y más recientemente por estrellas del cine como como Julia Roberts o Chloe Sevigny, ejemplos de las innumerables celebridades que visten casi exclusivamente con prendas de segunda mano.

Dita Von Teese, icono de la estética vintage

Como hemos visto, el estilo vintage se utiliza especialmente para referirse a la moda y el diseño posteriores al año 1900. Tal es su demanda que constituye la mayor inspiración para las firmas de moda de cualquier parte del mundo a la hora de crear sus nuevas colecciones. Pero no sólo en el ámbito de la moda es muy valorado este estilo artístico.

En el mundo de la publicidad hemos podido admirar numerosos anuncios vintage desde principios de siglo XX, una joya que nunca pasa de moda para todos aquellos seguidores de esta estética. Así pues, realizaremos a continuación una introspectiva de los clásicos de la publicidad a través de los mejores y más emblemáticos anuncios vintage. Son auténticos clásicos publicitarios que en su tiempo marcaron toda una época, y que nos descubren cómo se desarrollaba la publicidad de antaño, donde los anuncios gozaban del trabajo artístico de los mejores profesionales del diseño y la ilustración de aquellos tiempos.

Es el caso de Coca-Cola, una de las marcas más universales y omnipresentes de los últimos tiempos. Uno de los mayores clásicos de la publicidad de una marca con más de 125 años de historia, en el que vemos que cualquier estación es idónea para disfrutar del sabor de esta célebre bebida.

Volviendo al mundo de la moda, la conocida firma de gafas RayBan también se apunta al estilo vintage para ofrecernos unas gafas con un toque chic, para poder deleteitarse con el sol de la forma más segura y elegante.

Otro clásico con el que todos hemos crecido y hemos desayunado de manera saludable es Cola-Cao, una deliciosa bebida de cacao instantáneo surgida en nuestro país en 1946 y que, desde entonces, ha servido de alimento para niños y adultos de cualquier edad, generación tras generación. Es, sin duda, el alimento de la juventud, como bien sostiene el anuncio que vemos.

Si existe un elemento cliché por excelencia dentro del estilo vintage es, indiscutiblemente, la vespa. Una motocicleta tipo scooter de origen italiano que también se originó en el año 1946 y que tuvo éxito en España a partir de mediados del siglo XX, con el inicio de su fabricación en Madrid. Como vemos, un sugerente anuncio en el que, desde Italia y con amor, la vespa se cuela victoriosamente en nuestro país.

Una espectacular y curiosa campaña es la creada por la agencia brasileña Moma Out para Maximedia Seminars. En estos fantásticos y divertidos anuncios se muestra una publicidad al estilo vintage que nos hace imaginar cómo hubiesen sido los reclamos publicitarios de las redes sociales de mayor éxito actualmente si nos encontráramos en la década de los setenta u ochenta. Una maravilla artística que no podíamos dejar escapar en este repaso por el mundo de la publicidad vintage.

Hemos visto el actual esplendor que saborea esta peculiar y curiosa forma artística. Para unos, una manera más de disfrutar la antiguedad desde un punto de vista elegante. Para otros, un estilo de vida clásico que se basa en la belleza desde cualquiera de todas sus expresiones posibles. Sea cual sea nuestro punto de vista, es evidente que el mundo vintage es un clásico que nunca pasará de moda.

Noticias: Próximamente en BdC

2011-10-31T19:10:00.001+01:00

Octubre se despide hasta el año que viene dejando pocas, pero elaboradas entradas con las que hemos conseguido volver a superar las visitas del mes anterior y colocarnos con más de 7000 visitas en la trayectoria de los tres últimos meses. Repasemos este mes.

Estamos a punto de alcanzar las 8000 visitas, habiendo llegado en este mes a superar las 3000 visitas, seguimos rompiendo récords en las estadísticas, aunque seguimos sin recibir demasiados comentarios de nuestros visitantes, ¡os animamos a dejar vuestra opinión! Por otra parte, las entradas de este mes han estado marcadas por diversos acontecimientos, como el fallecimiento de Steve Jobs o la festividad de Halloween a la que han ido dedicadas nuestras últimas entradas. La música ha sido el otro factor importante en este mes, como ya ocurrió en septiembre, y hemos analizado tanto el último disco de La Oreja de Van Gogh como el tercer trabajo del dúo Sortilegio, Beber el tiempo, que os recomendamos fervientemente, porque hay muchas razones para comprarlo.

Seguimos aumentando nuestros seguidores en Twitter, aunque la actividad por parte de nuestros lectores sigue siendo escasa, esperamos promover vuestra participación en los meses siguientes, para ello hemos añadido, además, una página de Contacto con la que enviarnos vuestras críticas, dudas, quejas o sugerencias de forma privada. No dudéis en usarla si estáis interesados en cualquier cuestión, aunque no admitiremos amenazas de muerte ;)

Respecto a las nuevas páginas, también hemos añadido una Tienda, donde podréis encontrar diferentes productos que hemos ido reseñando en el blog, mostrando la forma de conseguirlos online. Actualizamos la página ¿Qué es Baúl del Castillo? y añadimos más información a las páginas personales de nuestro equipo.

Con el nuevo curso universitario y otras responsabilidades, el número de entradas ha vuelto a disminuir, pero esperamos que la calidad haya sido mejor, habiendo conseguido hacer textos más informativos, profundizando en las críticas y con colaboraciones de otros bloggeros.

Agradecimiento de Sortilegio por nuestra reseña, que podéis leer aquí

Se acerca la Navidad, pero aún queda el mes de noviembre, para el que hemos reservado algunas ideas que queremos desarrollar. Para comenzar, tenemos una deuda pendiente con Óscar R. Arteaga: una crítica de su novela Nivaria, que se ha ido aplazando por diferentes motivos académicos, pero que esperamos realizar este mes. Analizaremos un musical que está de gira, un nuevo disco y un nuevo grupo musical. Intentaremos también comenzar la reseña de un proyecto literario que nos pareció interesante, y continuaremos con las secciones habituales de publicidad, música y clásicos literarios, además de alguna entrada relacionada con el humor que quedó pendiente.

Y ya estamos poniendo nuestros ojos en diciembre, pero os daremos más información en el próximo resumen de BdC.

Antes de terminar, sólo felicitar a nuestros amigos de El Beso del Escorpión por ser Partners en Youtube, esperamos que les vaya bien y que nos sorprendan con nuevos proyectos.

Sin nada más, os dejamos con un clásico de Halloween, un estimable saludo, el administrador

LJ.

PD: Qué paséis buena noche de Halloween y, como españoles, la festividad de Todos los Santos, porque hay un hueco en la memoria para los que ya no están.

"La razón se hace adulta y vieja; el corazón permanece siempre niño"

-Ippolito Nievo

The Cure: Déjate llevar por el hombre araña

2011-10-31T19:07:00.001+01:00

No, el hombre araña del título no tiene nada que ver con Spiderman, el superhéroe al cual le han dedicado cómics, películas, series de animación y miles de cosas. Éste hombre araña tiene que ver con Lullaby, una canción del grupo The Cure, que no puede faltar en éstas fechas tan escalofriantes.

The Cure es un grupo de rock británico, que surgió a mediados de los setenta en fechas donde se estaban descubriéndose grandes bandas de rock. Dada su gran carrera discográfica, no se puede encasillar su música a un estilo de música en concreto. Sin embargo, sus fans suelen decir que es, o bien darkwave, o bien rock gótico. Sin embargo, el propio cantante en una entrevista rechazó esa última categorización o cualquier otra.

De los integrantes, el que más llama la atención (o al menos el más reconocido) es el cantante Robert Smith, el cual por sus apariencias causó cierta polémica y burla en la prensa (y aún en nuestros días a veces salen imitadores).

De este mismo programa, podemos ver otra parodia más corta.

De ellos, se podría decir que comenzaron como post-punk, y fueron avanzando en su carrera musical a partir de ahí. Lo que sí podemos decir es que en algunas canciones, sobre todo en los primeros discos, se nota la influencia del rock psicodélico, que por los años sesenta y setenta estaban muy latentes en las nuevas bandas que salían a la luz.

Sus conciertos son siempre recordados por sus fans, aunque hay algunas páginas en las que dicen que se les hace breves, tal vez debido a la catarsis del momento, que produce que las personas que ven a sus ídolos en el escenario tengan esa sensación y queden insatisfechos. Eso sí, en algunos lugares hay que decir que se quedaron a gusto. Una vez en Barcelona estuvieron más de tres horas dándolo todo por sus fans (¿de veras eso es poco tiempo?).

Este tipo de música podía influir a los jóvenes de la época, o al menos es lo que pensaban los adultos. Por ello, una curiosidad del grupo es que el videoclip de Close to me (grabado en 1986) no pudo ser reproducido en algunas zonas de Europa, ya que aparecían los integrantes de la banda en una caja, cayendo por un acantilado. Eso, según los adultos, podía incitar a los jóvenes al suicidio.

Una cosa a destacar de ellos es su larga y continua carrera. A pesar de las idas y venidas de los integrantes (y siempre el mismo líder), han conseguido grabar un total de 14 discos, aunque en diferentes discográficas.

Sus discos son:

1979: Three Imaginary Boys
1980: Seventeen Seconds
1980: Boys Don't Cry
1981: Faith
1982: Pornography
1984: The Top
1985: The Head on the Door
1987: Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me
1989: Disintegration
1992: Wish
1996: Wild Mood Swings
2000: Bloodflowers
2004: The Cure
2008: 4:13 Dream

De sus canciones, las que hay que destacar son: Lullaby, Close to me, Boys don't cry, Just like heaven y Friday I'm in love.

No cabe duda alguna en que éste es un grupo que causó revolución en su época, y aun en la actualidad, son pocos los que no conocen al gran grupo The Cure. Una banda que, a pesar de su apariencia dark, estoy convencida de que hay una canción para cada persona, le guste la música que le guste.

Vampiros, desde ayer hasta hoy en la prosa

2011-10-31T17:00:00.061+01:00

Los vampiros han sido una de las figuras esenciales del terror, uno de los tópicos al que se unen el hombre-lobo, el monstruo de Frankenstein, la momia o los muertos vivientes. Sobresale, sin embargo, de todos ellos por su propia elegancia y su extraña unión entre la vida y la muerte.

El actor Béla Lugosi caracterizado como vampiro.

Han estado muy presentes dentro del folklore popular, coincidiendo todas en ciertos aspectos, como el hecho de absorber la vida de sus víctimas. Sin embargo, es a partir del siglo XIX cuando se comienzan a fijar las bases de las características que conformarán al vampiro literario. No obstante, según ha transcurrido el tiempo y se ha escrito cada vez más sobre estas criaturas, se ha derivado en una multitud de formas que han llegado a concluir en un estereotipo. Por ejemplo, el disfraz clásico de vampiro durante la festividad de Halloween no es más que una copia de la vestimenta que empleaba el actor Béla Lugosi en su interpretación del conde Drácula.

En la actualidad, se sufre una saturación de obras sobre vampiros, especialmente por el aumento de ventas de novelas de fantasía, dedicadas normalmente a un público joven. Sin embargo, muchas de las nuevas obras se alejan de la figura del vampiro como personaje de terror y lo van dotando, cada vez más, de capacidades poderosas.

John William Polidori

No obstante, vamos a adentrarnos antes en el siglo XIX, en las últimas etapas del Romanticismo, en esta época algunos autores comienzan a usar la figura del vampiro para sus poemas, entre ellos Goethe, que en La novia de Corinto proporciona a la protagonista un carácter vampírico. Pero no será hasta el médico John William Polidori que el vampiro aparezca como tal en una novela.

-El vampiro, de Polidori

Durante el verano de 1816 se alcanzó una de las principales obras de terror de la época: Frankestein o el moderno Prometeo, de Mary Shelley, a raiz de una reunión de amigos en la Villa Diodati donde quedarían encerrados a causa de una tormenta. En esos días, Lord Byron, uno de los invitados, propuso al resto escribir una historia de terror a partir de la lectura de una antología alemana de relatos sobre fantasmas. Sólo nos ha quedado constancia de la obra de Shelley y del relato que escribió también Polidori, otra de las personas que estuvieron en la Villa Diodati aquellos días. Sin embargo, no tuvo tanto éxito, al estar ensombrecido por la obra de Shelley.

Edición moderna de El vampiro

No obstante, desde ese momento y tras su alejamiento de Lord Byron por ciertos conflictos personales, Polidori llegó a publicar El Vampiro de forma anónima, aunque después se le adjudicó la autoría. Fue la única obra que llamó la atención de los lectores de la época, y en ella el médico se vengaba de Byron al proporcionar al vampiro las características del noble inglés. En el relato, además, se emplean los mismos recursos que Goethe para proporcionar el carácter vampírico, pero la principal diferencia con otras obras reside en su formato: no es poema, sino un relato en prosa, lo que provoca la incursión del vampiro en este campo que le será tan fructífero posteriormente.

Este relato supone la inclusión del vampiro en la prosa y lo que ello supondría décadas más tarde, cuando se impondría una moda de obras relacionadas con los vampiros, desde folletines de Varney el vampiro, que tiene el reconocimiento de ser el primer vampiro en entrar por la ventana para beber la sangre de una joven dormida, hasta Drácula, la novela del irlandés Bram Stoker.

-Drácula, de Bram Stoker

Situada a finales del romanticismo europeo, Drácula supondría el culmen de la literatura de vampiros que se había extendido por todo el siglo XIX. Reúne características de obras anteriores, como el uso de seductoras vampiresas, del mismo estilo bajo una escritura epistolar basada en numerosas cartas, fragmentos de diarios o recortes de prensa que provocan un tipo de lectura más realista. También aporta el factor del cazador de vampiros, situado en este caso bajo el nombre de Abraham Van Hellsing, que será empleado posteriormente para el estereotipo de cazavampiros por excelencia.

Como obra romántica, comienza su ambientación en un lugar remoto y exótico, como es el caso de Rumanía, ambientada para el terror que debe producir ante la vista de Jonathan Harker, el primer personaje que se encontrará con el famoso conde Drácula.

Bram Stoker

El autor, Abraham (Bram) Stoker, supo encajar las piezas de esta obra para crear un clásico, inspirado por distintas historias húngaras, tomando al personaje histórico Vlad III Draculea como base para Drácula, para el que también tomaría características de Henry Irving, amigo al que había servido hasta que falleció siete años antes que Stoker. También tomaría referencias de obras anteriores, partiendo de Polidori, hasta crear la figura del vampiro clásico que hoy conocemos. Para la descripción de Rumanía, el autor se sirvió de dos obras: un Informe sobre los principipados de Valaquia, y La tierra más allá de los bosques, ésta última de Emily Gerard y cuyo título remite a la traducción literal de Transilvania, zona en la que viviría Drácula y que se emplea por uno de los personajes de la película Drácula de Bram Stoker, de Coppola.

Supuso un gran éxito, recibiendo los elogios de otros grandes autores, como Oscar Wilde o Arthur Conan Doyle. Hoy es el clásico que más se relaciona con el mundo de los vampiros y que eclipsó la tradición anterior.

Además, supuso el pistoletazo de salida a numerosas obras que emplearían al vampiro como figura de terror, llegando a una desvirtualización, incluyendo parodias.

-Siglo XX: desde el terror hasta la humanización.

H.P. Lovecraft

Los ejemplos de autores que han empleado a los vampiros en sus obras ya eran numerosas en el siglo XIX, pero se multiplican en el XX. Hay escritores que le siguen proporcionando el carácter de personaje terrorífico, como es el caso de Lovecraft, pero también hay otros que simplemente toman características del vampiro para aplicarlo a nuevas criaturas, como en la novela Soy leyenda, donde Matheson, el autor, crea una especie de zombies con características vampíricas, pero sin sed de sangre.

Dentro de los autores hispanos, podemos mencionar el relato corto Vampiro, de Emilia Pardo Bazán, quien adapta al vampiro en un ser que absorbe la vitalidad de otros humanos, pudiendo incluirla en la creencia de que la sangre era el alma, o algunas obras del uruguayo Horacio Quiroga, como El vampiro o El almohadón de plumas.

En el último tercio del siglo destacan otras obras que han tenido también su reflejo en el mundo del cine, como El misterio de Salem's Lot, de Stephen King o las Crónicas vampíricas, de Anne Rice.

Anne Rice

Nos centraremos en esta última autora, cuya saga forma parte indiscutible de la historia de la literatura de vampiros. Comienza la trayectoria de estas novelas con Confesiones de un vampiro / Entrevista con el vampiro, un relato que nos sitúa en Nueva Orléans y que nos da una nueva perspectiva del vampiro: es el que narra su propia historia, desde su conversión hasta la actualidad, mostrándose no cómo un ser diabólico y bestial, sino como un ser maldito, que razona como un ser humano y que se ve condenado a su eternidad sedienta. Si bien no es la primera novela que nos sitúa al vampiro como narrador, pues ya lo había hecho Lovecraft en su relato El intruso, sí comienza una exploración hacia el ser vampírico que continuará con el segundo volumen de las crónicas: Lestat, el vampiro.

En esta segunda novela, nos situaremos en la piel del que habríamos podido considerar el malvado de Entrevista con el vampiro, y que se convertirá en el protagonista de la mayoría de las novelas posteriores. Lestat se convierte en el vampiro humanizado, con los poderes de un ser sobrenatural, la maldición de la sed y la razon y los sentimientos de un humano normal.

Anne Rice consigue situarnos en la piel de diferentes vampiros, conociendo los motivos que les llevan a actuar como lo hacen, deslindándose de las criaturas que se movían sólo por el poder y la sangre. Viajaremos a través de distintas épocas, retrocediendo hasta los orígenes de los vampiros, narrado con gran detalle, hasta hacernos sentir ante un relato verídico, como le ocurriera a Drácula en su momento.

Edición antigua de Confesiones de un vampiro

El éxito de esta saga lo ha conducido a ser otro clásico dentro de la literatura de vampiros, especialmente a la trilogía inicial: Entrevista con el vampiro (con adaptación cinematográfica), Lestat, el vampiro y La reina de los condenados.

-Actualidad: el vampiro desvirtuado en héroe juvenil

La literatura sobre vampiros había quedado apartada dentro de un tipo de literatura especializada, que suele ser leído por algunos sectores de la población. Por ejemplo, resultaba complicado encontrar personas que leyeran las Crónicas vampíricas de Anne Rice si estas no mostraban interés por los vampiros. Esta tendencia cambiará en el siglo XXI con un boom de novelas juveniles que emplean el nombre del vampiro como insignia, pese a que las características de esta figura clásica se pierden.

Ahora bien, se continúan haciendo novelas que intentan captar el espíritu de terror clásico más la humanización que se les había proporcionado a lo largo del siglo XX, como puede ser el caso de obras como Déjame entrar, del sueco John Ajvide Lindqvist, Tierra de vampiros, de John Marks, La historiadora, de Elizabeth Kostova o Drácula, el no muerto, de Dacre Stoker e Ian Holt. La primera supone una historia más original, con la relación de un muchacho con una vampiresa de aspecto infantil, y que se sumerge en los aspectos más sombríos de la humanidad, mientras que las tres últimas vuelven a centrar su atención en Drácula, siendo la primera una especie de adaptación moderna; la segunda una investigación acerca de Vlad III Draculea, figura en que se basó Stoker; y la tercera es un intento de continuación del Drácula original, escrita por un descendiente de Stoker.

Novela Déjame entrar e imagen de su autor

Pero la moda llega a imponerse a modo de novelas juveniles, un sector que se comienza a explotar en esta época tras los éxitos de otras obras como Harry Potter, de J.K. Rowling, que supuso el comienzo de esta tendencia gracias a la buena acogida de sus adaptaciones cinematográficas. Así, es la saga de Crepúsculo, de Stephenie Meyer, quien comienza una trayectoria de obras de la misma tendencia que convierten al vampiro en un superhéroe, alejado normalmente de las debilidades clásicas. Obviamente, el rechazo ante esta clase de obras por parte de los admiradores del género fue abierto desde el principio, pues estas obras no pueden ser consideradas dentro de la literatura de vampiros, no sólo por el contenido, sino también por el aspecto formal.

Mientras que en Crepúsculo encontramos un estereotipo de amor "imposible" entre jóvenes con una prosa sencilla y empalagosa, en La reina de los condenados, de Anne Rice, encontrábamos diferentes reflexiones existenciales producidas por los propios vampiros, culminando en un debate sobre si los humanos eran realmente beneficiososo para el mundo o si no lo eran, debate que recuerda a distintos argumentos filosóficos de autores como Hobbes o Rousseau. Entre ambas obras no hay comparación.

Actualmente, acudimos a esta saturación del género que acabará por desaparecer, como toda moda, y que nos dejarán obras cuya supervivencia al paso del tiempo será determinado por los futuros lectores, quienes gozarán de mayor perspectiva para considerar qué se salva o qué debería abandonar hasta la vida inmortal de las letras escritas.

Ilustración de un vampiro

Publicidad No-Subliminal (VIII): Los anuncios se visten de Halloween

2011-10-30T18:30:00.001+01:00

La madrugada del próximo 31 de octubre se celebra la festividad de Halloween, una celebración que tiene cada vez más adeptos en países lejanos de Estados Unidos, como es el caso de España. Este hecho se debe fundamentalmente a la creciente moda de acercanos a este tipo de cultura y a las innumerables estrategias de marketing generadas alrededor del impulso de esta fiesta, afectando sobre todo en las costumbres de los más jóvenes a la hora de celebrar la tradicional festividad de Todos los Santos.

Halloween es una fiesta que comenzó a celebrarse a mediados del siglo XVI en el área celta (actual Irlanda y parte de Francia). Los celtas celebraban su año nuevo el 1 de noviembre, por lo que la noche del 31 de octubre festejaban el All Hallows (término que ha derivado en Halloween, que significa Víspera de Todos los Santos), la nochevieja del año, como también era conocido en el calendario. Creían que esa noche se disolvía la frontera entre los vivos y los muertos; así, los muertos se levantaban de sus tumbas y podían causar daños en los cultivos y propagar enfermedades.

Serían los inmigrantes irlandeses y escoceses los que llevarían versiones de su tradicional Halloween a Estados Unidos en el siglo XIX. Ellos creaban linternas-lámparas talladas en calabazas y nabos, ya que los celtas creían que la cabeza era la parte más poderosa del cuerpo, y creaban cabezas con estas hortalizas para evitar que el mal entrase en sus casas esa noche.

En el mundo de la publicidad, podemos acudir a esa popular afirmación de que los anuncios son pequeñas películas para cualquier espectador. Si nos paramos a pensar, nos daremos cuenta de que los spots recrean de manera sintética prácticamente la totalidad de los géneros del séptimo arte. Haciendo memoria, todos recordaremos un anuncio romántico, uno bélico, otro histórico, de acción, de comedia, musical y, cómo no, uno de terror. En honor a esta popular fiesta, haremos un repaso por una selección de anuncios y campañas publicitarias más terroríficas creadas para la ocasión e inspiradas en la celebración de Halloween a lo largo del tiempo. Iniciaremos el repaso con una reflexión general sobre los miedos que sufre un hombre de ciudad, y en los que cualquiera podríamos sentirnos identificados. Un anuncio psicoanalítico acerca de los terrores humanos que, sin excesivos sobresaltos, nos trae la marca de automóviles BMW.

Un anuncio emblemático de terror y que hizo época celebrando la fiesta de Halloween es el de la firma deportiva Nike. La joven protagonista del spot no se imaginaría lo que ocurriría una aparente tranquila noche en su casa... ni por qué le resultaría tan importante para su salud el hacer deporte a diario.

Otro anuncio llamativo es el de la conocida bebida de ron cuyo símbolo es el murciélago. Precisamente por su logotipo ha dedicado un spot dirigido especialmente para la celebración de Halloween. Así, Bacardi nos muestra lo que sucede cuando una mujer decide no ir disfrazada a una fiesta en el día de Halloween. ¿La respuesta? Mejor que nos lo digan esos murciélagos...

Siguiendo con la publicidad de famosas bebidas, la marca Guinness nos trae para la ocasión un curioso anuncio gráfico en el cual la cerveza brota de la tierra como si de una calabaza se tratase, surgiendo así la verdadera poción de Halloween.

El gigante de la telecomunicación Apple, recientemente de actualidad debido al fallecimiento de su fundador Steve Jobs, también aprovecha la ocasión de celebrar dicha festividad con una simbólica y escueta campaña, modificando su característico logotipo para convertirse en una acorde calabaza de Halloween.

Otras dos campañas con un mayor impacto son las de WWF (organización para la preservación de la naturaleza) y Burger King.

En la primera, observamos una escena que bien podría haber sido sacada de cualquier película de terror, en la que una mujer atraviesa la terminal de un aeropuerto dejando a su paso un rastro sangriento que proviene de su maleta.

Con ello, WWF apoya la defensa animal, queriendo evitar que con sus pieles se fabriquen artículos de cualquier tipo, como, en este caso, souvenirs. En el anuncio de Burger King somos testigos de una sangrienta digestión, aunque desde otro punto de vista, cualquiera podría defender que se trata de un simple hilito de ketchup.

Como vemos, la publicidad destinada a asustarnos en Halloween tiene bastantes enfoques, desde el terror más psicológico y explícito hasta el miedo visto desde el punto de vista más cómico. Sin duda, una imagen vale más que mil palabras, y ésto la publicidad lo reafirma. Se trata de una poderosa arma que, usada con inteligencia y creatividad, puede llegar a impactarnos de manera emocional como si de la situación más espeluznante se tratara. Así que, haciendo honor a ello, que paséis una terroríca noche de Halloween.